Il était une fois le masque prophylactique et joaillier     Aujourd’hui nous commençons à pouvoir tomber le masque. Nous l’avons subi, nous avons cru à son devoir de protection, nous l’avons porté et parfois détesté. Un petit retour dans l’histoire et l’art permet de comprendre la charge émotionnelle liée au masque qui pourtant est presque universelle.      Le masque prophylactique existe depuis longtemps. En effet, ces derniers masques des carnavals de Venise s’inspirent du costume et du masque des médecins de la peste. On attribue ce costume à Charles de Lormes, le médecin de Louis XIII et son frère Gaston de France. Il se compose d’un manteau recouvert de cire parfumée, d’une culotte reliée à des bottes, la chemise est rentrée dans la culotte. Un chapeau, des lunettes, des gants en cuir de chèvre et une baguette pour toucher les malades complète l’accoutrement.  Le masque en forme de bec allongé était rempli de thériaque,  ce contrepoison est considéré à l’époque comme le plus efficace. Il est composé de plus de 55 herbes médicinales, de poudre de peau de vipères, de cannelle, de myrrhe et de miel dont la recette venait de la Rome antique. On ne connaissait pas la contagion entre humain et on supposait alors que l’air était rempli de miasmes. C’est pourquoi la forme allongée du masque permettait aux herbes bienfaisantes de purifier l'air avant que celui-ci n'atteigne les narines et les poumons des soignants. Le masque en protégeant, désigne à tous la condition de médecin et donc potentiellement celui qui apporte le souffle du danger.     Aujourd’hui on sait que la covid se transmet par l’expiration des personnes aussi le masque constitue à la fois une protection et une véritable barrière entre les individus. Effaçant les expressions du visage, emprisonnant le souffle et étouffant les paroles, il dresse une barrière sociale en désignant chacun d’entre nous comme un risque pour les autres. Mais c’est aussi un signe de respect car en portant le masque on protège les autres, il devient alors signe d’humanisme.     Alors on a vu fleurir des masques amusants, décoratifs, artistiques. Qu’ils soient créés par une artiste textile ou imprimés d’un tableau de maitre. A l’extrême de cette expression artistique le joaillier new-yorkais Jacob & Co, connu pour ses créations joaillières débridées a créé le Diamond Face Mask.  Un masque de 3 040 diamants blancs soit 73 carats au total, reliés entre eux par une maille en or blanc 18 carats de 156,0 grammes. Pur objet d’art joaillier, il n’est absolument pas protecteur et est destiné à masquer le « vrai » masque de protection pour la somme de 250 000 $.     Quand au joaillier israélien Isaac Levy de la marque Yvel, il a réalisé un masque joaillier extraordinaire à la commande spéciale d’un de ses clients, richissime, collectionneur et excentrique. Ce chinois résidant aux Etats-Unis lui a donné carte blanche, aucune limite financière et 6 mois pour obtenir le masque protecteur le plus cher du monde.      Equipé d’un filtre de haute protection N99 et serti de 3608 diamants noirs et blancs pour un total de 210 carats, ce bijou prophylactique est en or 18 carats de 250 grammes. Le joaillier le juge doublement protecteur puisque sa réalisation a mobilisé une équipe de 25 bijoutiers ce qui lui a permis de conserver les emplois de ses salariés. Ce défi artistique et presque mécénique a été estimé à 1,5 million de dollars.          Musique : Allan Deschamps - 0 Le Sign, Brian Holger - A Fool’s Theme, Loopop -Percolate, Zachariah - Argonne   Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Le saphir est aussi la pierre privilégiée des rois et des reines. Le Prince Charles avait offert à Lady Diana un saphir de 12 carats, une bague de fiançailles devenue encore plus célèbre lorsque le prince William l’offrit à Kate Middelton.  Il existent aussi des saphirs de légendes. Charlemagne avait comme talisman un joyau-reliquaire où le saphir de ceylan de plus de 190 carats offert par le calife Haroun Al-Rachid contenait 2 morceaux de la Vraie Croix. Cet encolpion fait aujourd’hui partie du trésor de la cathédrale de Reims et conservé au Palais du Tau.        Le Grand Saphir de Louis XIV est tout aussi légendaire. C’est une gemme de 135,8 carats reconnaissable à sa forme particulière, un facettage, en rhomboïde, unique au monde qui pourrait être d’origine indo-moghole.     En Grande Bretagne c’est le Saphir d’Edouard Le Confesseur qui est légendaire. Le roi le portait à son couronnement en 1043 en bague. Le saphir sera retaillé en 1660 par le roi Charles II et serti sur la couronne impériale d’apparat en 1838 par la reine Victoria. Et le saphir y est encore !     Le saphir Logan est le plus grand saphir facetté en taille coussin. Il pèse 423 carats et vient du Skri Lanka. Sa propriétaire Mme John. A. Logan l’a monté en broche et entouré de 20 diamants de 16 carats puis elle l’a offert au musée Smithsonian en 1960.     Le saphir Rockfeller surprend par sa forme rectangulaire. Il provient des mines mythiques de Mogok et est acheté par John. D. Rockfeller à un Maharaja. Il est réapparu dans les ventes chez Christie’s en 2001.     Le mystère du Saphir « Ruspoli » reste entier. Le Professeur François Farges a retrouvé le moulage de cette gemme de 137 carats, en forme « coussin à double dentelle » qui est au Muséum d’histoire naturelle. Mais le saphir c’est une autre histoire : c’est au Bengale qu’un vendeur de cuillères en bois l'aurait découvert, puis au XVIIe il est la possession du prince italien Francesco Maria Ruspoli. Il est l'objet d'un procès entre 1811-1813 et est revendu ensuite à Henry Philip Hope. Puis il disparait ! On suppose qu’il ait été monté sur le kokochnik de la grande duchesse Pavlovna puis aurait appartenu à Marie de Roumanie, transmis à sa fille Iléana qui l'aurait ensuite revendu à un joaillier américain dans les années 1950.     Comme saphir d’exception il y a aussi l’Etoile de l’Inde un saphir étoilé de couleur gris laiteux de 563,35 carats, l’Etoile de Bombay, le saphir Nertamphia, l’Etoile de minuit...      Le Millenim Sapphire a une histoire différente. Découvert à Madagascar en 1995 c’est le plus gros saphir jamais connu avec 61 500 carats. Il a été sculpté par l’artiste italien Alessio Boschi. Il y a représenté les hommes qui ont marqué l’histoire comme Albert Einstein, Christophe Colomb, Mozart, Rousseau, Newton, Shakespeare, Lao Tzeu, Beethoven, Michelangelo, Martin Luther King…. Mais aussi les grands monuments comme les pyramides de Gizeh, la grande muraille de Chine, la presse à imprimer de Gutenberg. Bref, ce saphir s’orne de plus de 134 sujets qui rendent hommage à la créativité et au génie.     Enfin, le dernier saphir à défrayer la chronique est celui des Romanov. Originaire de Ceylan, cette gemme de 197,80 carats est d’abord la propriété de Maria Feodorovna l’épouse d’Alexandre III et la mère du dernier empereur de Russie Nicolas II. A un bal, elle porte 2 énormes saphirs cousus sur sa robe. Ils disparaissent avec la révolution bolchevique mais un des saphirs réapparait en 1928 au moment où la cantatrice Ganna Walska demande à Cartier de le monter, de le démonter puis de le remonter au fil de ses différentes amoures et mariages. Puis il y a 2 ans il est proposé à la vente et Cartier choisit de magnifier sa forme de galet et son facettage triangulaire dans un somptueux bracelet dont le saphir est également interchangeable avec un cristal de roche pour doubler la dimension émotionnelle du bracelet nommé Romanov !       Musique : Allan Deschamps - 0 Le Sign  en visuel le saphir Logan

J’aime quand un bijou vit avec moi. Ce mouvement de l’Art cinétique est fortement imprégné par les changements sociétaux de l’époque et les réflexions révolutionnaires dans l’art des mouvements artistiques précédents comme les futuristes, cubistes, constructivistes,… et bien d’autres. L’art cinétique sera à son apogée vers 1975 puis tombera dans l’oubli jusqu’à l’exposition Dynamo au Grand Palais en 2013. Comme l’Art cinétique est pluri-médium, certains artistes s’essaieront aux bijoux.  Pol Bury dont  a créé sur des sphères mobiles en bijoux. Vous pouvez surveiller les enchères pour ces bijoux fabriqués entre 1968 et 1975 qui font l’objet de collections passionnées comme Diane Venet. Et si vous en mourrez d’envie vous trouverez peut être des pièces à la Galerie Minimasterpiece et j’ai vu une bague qui est encore en vente chez Vissi d’Arte (https://www.instagram.com/vissidarte_delphineantoine/?hl=fr). C’est une bague en or gris composée d’un plateau carré orné de sphères toutes mobiles de différentes tailles.     Toujours chez Vissi d’Arte (https://www.instagram.com/vissidarte_delphineantoine/?hl=fr), vous trouverez la bague appelée justement « Mobile » de Meret Oppenheim. Cette artiste peintre et plasticienne surréaliste n’a créé que 8 pièces de ce modèle édité par Cleto Munari. Sur cette bague, 3 engrenages en or blanc, jaune et rose montrent un tiers de leur surface diamanté alors quand on joue avec, le système ludique fait rayonner leur éclat comme autant de rayons précieux.     Récemment Thierry Vendome (https://thierryvendome.com/) vient de rééditer sa bague « choc », une de ses plus anciennes créations du début des années 80. Les premiers modèles étaient réalisés avec des perles blanches et noires qui s’entrechoquaient dans un corps de bague en or. La nouvelle est une bague ouverte d’une côté une opale fixe, de l’autre un profilé d’or s’ouvre comme un livre et permet à la bille d’opale d’aller et venir au gré du mouvement de la main dans une danse carrément hypnotique. Comme chaque modèle est unique, allez directement le voir dans sa boutique-atelier de saint Paul pour faire créer votre bague cinétique.        Depuis sa première collection, Marie Mas (https://mariemas.com/fr) travaille sur les principes cinétiques. Sa joaillerie se définit comme une joaillerie de mouvement unique. Ses collections s’appellent « Wave », « Swinging ». Par exemple La collection Wave capture l’esprit organique du mouvement et incarne une liberté et la bague King Wave est une chevalière en or rose où les diamants ou les pierres de lune bleutées sont montées sur de fines tiges. Alors quand vous glissez le doigt dans la bague, ces tiges se soulèvent et définissent le volume qui vous est personnel pour un rendu unique. Mon coup de cœur est toujours la bague « Dancing ». C’est une bague ouverte avec d’un côté un diamant navette et de l’autre des quartzs et topazes cabochons qui déclinent un camaïeu de bleus jusqu’à ce que vous bougiez la main et que d’un mouvement souple les cabochons montrent leur autre surface en camaïeu violet-rose d’améthystes et de quartzs. Marie Mas vient justement d’ouvrir son show room parisien rue de Richelieu, il n’y a plus qu’à prendre rdv.        En bijou contemporain cinétique, j’adore aussi Agnès Dubois (https://agnes-dubois-bijoux.odexpo.com/). Chez elle pratiquement tout bouge ! La bague « Funambille » est un rond dans un carré où la perle d’eau douce rose ou de calcédoine bleu ou chrysophrase verte roule sur son entourage décentré.  La bague « l’éloge du vide » est une cage ovoide où la perle navige librement pour attérir d’un côté ou d’autre du panier dans un jeu personnel. La bague « Mars » est complètement carrée et son va et vient cosmique est à l’échelle de notre doigt. Mais mon super crush c’est la bague « sixième sens » c’est une forme aérienne qui occupe la main d’une géométrie de cercles posés comme un système galactique dans lequel une perle planète évolue librement. Elle réalise ses modèles en argent et vermeil, à la main, dans son atelier à Fontenay-sous-Bois où elle vous recevra sur rdv.        Musique : Allan Deschamps - 0 Le Sign, Michael Sandler - Public Squeeze  

Voilà la Saint Valentin et partout des cœurs se déclinent en bijoux. Mais d’où vient cette forme si spécifique du cœur ?     Le mot kord est la racine indo-européenne du mot cœur qui désigne à la fois la notion de centre, de sentiments et d’intelligence. C'est-à-dire qu’on pense et on ressent dans un cœur qui se situerait au milieu du corps… vers le nombril ! Transformé en cor, cordis en Latin, il signifie alors « siège de l'intelligence et de la mémoire, des sentiments et de la volonté » et cette conception va évoluer. Par exemple, quand Corneille dans le Cid (1637) demande par la bouche de Don Diègue: « Rodrigue as-tu du cœur ? », il lui demande en fait s’il a des corones, pardon du courage !      Retournons à l’antiquité : le cœur, centre des sentiments est traditionnellement matérialisé par une feuille de lierre. La plante restant verte en hiver comme été, est chargée d’incarner l’amour durable.  Des grecs aux romains, le dessin du cœur-lierre se stylise et commence à ressembler à la forme aujourd’hui communément admise.     Dans les Archives Mellerio vers 1895 on trouve un dessin de Broche cœur anatomique flamboyant.     Alors bien sûr Dali va aussi être captivé par cette symbolique et quand il se met à créer des bijoux, il va produire 3 versions d’un cœur à mi chemin entre l’anatomique et le sacré.   Le « cœur en forme de grenade » (or jaune, 17 rubis et diamant) créé en 1949 associe le fruit qui est symbole de fertilité avant d’incarner la vie éternelle dans un cœur plutôt romantique et qui sur-réalise la vie et l’amour.   La même année, le « cœur en rayon de miel » (or jaune, 13 diamants, rubis) exprime un amour divinisé. En effet le miel exprime un cadeau des dieux, et une douceur de vivre en plus d’être souvent source de guérison.  Et en 1953, Salvador Dali réalise le « cœur royal ». Un cœur anatomique en rubis (or jaune, rubis naturels, saphirs naturels, émeraudes naturelles, aigue-marine, péridots, grenat hessonite, améthyste, diamants, perles) et qui bat grâce à un mécanisme à moteur, inséré dans un grand cœur d’or en forme d’ex-voto.      Le plus gros diamant en forme de cœur du monde est une pierre de 92 carats montée en pendant sur un collier de perles de culture. Il se nomme La Légende et a été vendu chez Christie's Genève en 2017 pour le record mondial de 15 millions de dollars.      Si comme moi vous aimez les cœurs, il y a le cœur en arabesque d’Isabelle Langleois (https://www.isabellelanglois.com/) . Créé en 1992, la créatrice ressort cet amour de pendentif comme un fétiche pour 2022 en 3 ors jaune, blanc ou rose et 3 dimensions.     En pendentif toujours, l’intemporel cœur de Piaget (https://www.piaget.com/ch-fr)  est graphique et sobre.     Chez Lydia Courteille (https://www.lydiacourteille.com/)  le cœur de rhodochrosite de la bague Flamingo est au centre du couple de flamants roses en saphirs, rubis et diamants noirs.      Chez Dior (https://www.dior.com/en_ch/jewelry-timepieces/jewelry-by-category/all-jewellery)  comme chez Flav Paris (https://flavparis.com/)  c’est Cupidon qui est figuré. Pour Dior, en rubis sur un mouvement de diamant. Et Flavie, sertit en clos le diamant cœur central dont la flèche est également de diamants.       J’ai toujours un crush pour le cœur graphique et pourtant organique d’Amélie Viaene (https://www.amelieviaene.com/)  qui a 2 portés : directement enforcé sur le doigt ou en pendentif. Elle en a même réalisé un modèle bracelet.     Enfin j’ai eu un coup de cœur pour le modèle Secret de la jeune Maison Mouche (https://maisonmouche.com/) . C’est un cœur anamorphose. Suivant votre regard sur le bijou vous verrez un cercle ou un cœur ! Un modèle au design épuré très moderne qui cache notre cœur de midinette.  

 Tout le monde a un bijou fétiche, précieux ou non, mais auquel on est terriblement attaché parce qu’on nous l’a transmis avec son histoire, parce qu’on se l’ait offert à un moment particulier, parce qu’on nous l’a offert, avec amour. Quelque fois ce n’est même pas un bijou. Mais l’histoire qui le sous-tend, le transforme en joyau de notre cœur. Il est notre gri-gri, notre talisman, notre trésor.      Alors je suis allée à la chasse aux histoires et je suis tombée sur un bec. Pour nombre d’entre nous, ce bijou fétiche est tellement lié aux sentiments qu’il est difficile de la partager.     Véronique a accepté et je la remercie. Voici l’histoire de son bijou fétiche.     Elle caresse doucement les formes bombées de l’objet d’un doigt affectueux. Elle se tait, en elle-même, intensément. Alors je me tais, attentive. Elle inspire profondément puis commence à raconter : « ma grand-mère a reçu cette petite cloche, le jour de sa communion, des mains de sa mère. Il est devenu son porte-bonheur, au sens littéral car un an après sa mère disparaissait ne lui laissant que ce souvenir de bonheur ».     L’objet est chargé de symbole : c’est un bijou fétiche.     D’un point de vue mystique, cette petite cloche cumule le symbole du contenant et du contenu.  La petite cloche de Véronique s’ouvre pour découvrir un chapelet.  Mais pour Véronique, ce bijou fétiche est le symbole d’une filiation familiale, d’une transmission de femmes à femmes. Elle évoque d’abord sa grand-mère, Marielle, la première héritière et donc la seconde détentrice. Marielle qui su contrer son destin et s’échapper de la province où son père notaire, âgé et veuf l’entourait d’amour mais aussi de rigides convenances. Véronique raconte « Elle était fantasque, gaie et légère, elle s’est choisi un époux aux goûts artistiques affirmés, habitant Paris et qui l’a amusé toute sa vie ». Marielle décide de transmettre, elle aussi, cette petite cloche à trésor caché. Elle la donne à Geneviève, la mère de Véronique, aînée de ses cinq enfants. Véronique se souvient « au milieu de tous ces beaux bijoux, parmi les saphirs et les perles qu’elle aimait, et que j’avais le droit de caresser, il y avait cette petite cloche qu’elle me prêtait comme un trésor et que j’avais juste le droit de regarder.». Ce trésor c’est le cœur et les sentiments, la tristesse éprouvée, l’amour mère-fille et la lignée qui le rend sororal.     En effet, la petite cloche n’est pas en métal précieux mais en bakélite verte. Mais pour Véronique, la valeur intrinsèque de ce bijou fétiche n’est pas importante. Et elle sait de quoi elle parle ! Gemmologue reconnue, elle a tenu dans ses mains les plus belles pierres précieuses !     Elle me raconte les paroles de sa mère lorsque qu’elle lui a donné cette petite cloche à la naissance de sa fille Blanche : « Cette petite cloche doit mener son destin de vie et je veux qu’elle t’accompagne ainsi que Blanche tout au long de ta vie ». Véronique a été d’autant plus touchée qu’elle n’est pas l’aînée de sa fratrie. Elle a bien ressenti qu’elle était en quelque sorte élue « gardienne » de cet héritage. Alors depuis ce temps, la petite cloche en Bakélite à sa place sur la table de nuit de Véronique. C’est le dernier objet qu’elle voit avant de rejoindre les bras de Morphée. C’est aussi le premier objet qu’elle voit au réveil. Elle aime la subtilité de l’objet, la rondeur féminine de la forme, la délicatesse des petites perles du chapelet. Elle apprécie le côté « boîte à secret ». Elle ressent l’aura féminine et familiale et à l’occasion lui confie mentalement ses doutes.     Bien entendu sa fille Blanche lui a déjà demandé si elle en hériterait un jour. Véronique a acquiescé car elle sait que sa fille a hérité de la même sensibilité pour les objets et leur histoire. Elle m’avoue « Je laisserai la vie me guider pour choisir le moment de lui transmettre ce bijou fétiche, mais Blanche sera la 5e génération ».           Musique : Allan Deschamps 0 Le Sign

La rose des vents est un symbole est particulièrement cher au joaillier Giampiero Bodino qui le décline avec une richesse de couleur et une variété de style très latine.  En 2014 il présente à la Biennale, un flamboyant motif de rose des vents en diamant sur or blanc avec un cœur et des rayons d’émeraudes irradiés de spinelles noirs, qui scandent aux 4 points cardinaux le collier chocker de perles d’améthystes. En 2015, sa collection Rosa Dei Venti explosent de saphirs bleus et pourpres, d’irisations vertes et bleues et de scintillements jaune et rouge, exactement comme les flamboiements méditerranéens quand leur ciel embrasse la mer.  En 2017, Giampiero Bodino créera un bracelet précieux Rosa dei Venti où le cabochon d’émeraude de taille remarquable dissimulera le garde temps comme un secret. Alors que pour le Noël 2017 Rosa Dei Venti devient une collection capsule monochrome où la pureté du diamant souligne la rigueur des 4 pointes de la rose des vents juste éclairée par un cabochon de rubellite.        Entre le XVe et le XVIe siècle les marins explorent les mers. Ce sont ces histoires qui ont inspiré la designer en joaillerie Nathalie Castro pour imaginer en 2008 un modèle unique et déposé où la rose des vents en diamants et calcédoine bleues rythme un magnifique sautoir en or blanc, céramique blanche et bleue en hommage aux Azulejos et en filigranes en référence aux savoir faire joaillier méditerranéen.       Si on étend ce symbole d’orientation vers une dimension plus mystique, on peut penser que porter une rose des vents donne la chance de naviguer à flots ou de trouver le bon port.  C’est surement pour cette raison qu’en 2015 la première collection d’Elie Top baptisée « Mécaniques Célestes » mêlait tous les instruments d’études des marins et les transformaient en une cohérence de symboles. Les étoiles, les astrolabes, les globes terrestres et les roses des vents…étaient rassemblés en un bijou mystérieux à découvrir. Rien qu’en une manchette, un pendentif ou même une bague, un monde complet se découvrait. Tout d’abord une sphère, d’argent patiné comme un monde inconnu. En la soulevant on découvre tout un système planétaire en mouvement, des anneaux, des astres, avec au cœur une autre terre, de pierre, d’or et de diamants. Une architecture cosmogonique complexe comme une extravagance mathématique. Poursuivant cette symbolique, en 2016, Elie Top créera au cœur de sa collection, une étoile mystérieuse, une rose des vents dont les rayons endiamantés entourent une sphère cœur d’Onyx mobile sur un axe central qui dévoile à loisir une autre étoile unique comme l’étoile du berger.     Et à Marseille, le port de mer emblématique, la maison Hopethediamantstore créé en 2012 par Marie Bagnoli et son frère propose une rose des vents très pure en diamant certifié et or recyclé dans un pendentif dont la simplicité met en avant la force du symbole.      La signification de la rose des vents est bien de trouver un port d’attache, une allégorie pour puiser dans ses racines et retrouver un patrimoine historique.  Ainsi, Victoire de Castellane, Directrice Artistique de Dior Joaillerie, a construit la collection rose des vents comme une allégorie de la vie de Christian Dior et notamment en hommage à l’étoile en métal trouvée le jour de la création de la Maison et qu’il portait superstitieusement sur lui. Coté pile la rose des vents est en or rose avec un coeur de diamant, cote face les pierres représentent les 4 points cardinaux : la nacre blanche pour le nord, la turquoise pour le sud, l’opale rose pour l’est et le lapis-lazuli pour l’ouest.  D’année en année, la rose des vents s’impose aujourd’hui comme une des collections emblématiques de Dior, avec émail, diamants, en perlé, réinterprété par Victoire de Castellane à chaque saison et représentée par Anne Ewers, Cara Delevingne et Emilia Clarke.     Musique : Allan Deschamps 0 Le Sign, Vexento – Now  

 La théorie du Big Bang originel est quelquefois remise en doute par les scientifiques. Mais ce qui est indéniable c’est que nous appartenons à un système composé de planètes et d’étoiles, que cet univers est en mouvement et traversé de moments de calme comme de grandes explosions.  C’est peut être pour cela que de nombreux joailliers s’inspirent des modèles cosmologiques et sertissent des météorites dans leurs bijoux. En effet la joaillerie est non seulement un art complet, du dessin à la réalisation joaillière, baigné de sciences, de la réfraction de la lumière à l’origine des pierres, mais également le témoin de la créativité qui relie l’humain aux conditions de la société. Alors dans notre époque troublée, se recentrer sur nos racines au-delà des temps, semble une démarche logique qui influence les créateurs.     D’autant que cette étude de l’univers nous renseigne sur nous même à travers les éléments qui compose notre être, notre monde et les matières de la joaillerie. L’hydrogène et l’hélium essentiels à la vie sont façonnés par la nucléo-synthèse primordiale.   Le carbone, l’azote et l’hydrogène qui nous constituent sont formés au cœur des étoiles  Et quand les rayons cosmiques les percutent, ils créent dans le vide interstellaire le lithium, le bérylium et le bore.  Le platine, atome lourd, est généré par les supernovas comme le chlore, le calcium et le potassium.  Et l’or résulte de la collision des étoiles à neutrons.        Et comme l’univers vit, ces phénomènes cosmiques continuent de se produire à un rythme galactique. Alors quelquefois, un objet d’origine extraterrestre, traverse l’atmosphère, résiste à l’impact comme à la traversée sans perdre toute sa masse et s’écrase sans être totalement volatilisé. Ce sont les météorites. Elles viennent des astéroïdes, de la lune, de Mars, … Beaucoup s’enfoncent dans les mers car notre planète bleue en est couverte et quelques unes atterrissent dans le désert où des passionnés, les chasseurs de météorites, vont à leur découverte.     Alors aujourd’hui j’ai choisi de vous parler des bracelets de Spacefox, une jeune marque, qui a décidé d’offrir à chacun d’entre nous la possibilité de porter au poignet un bout de l’histoire du monde, un fragment de poussière d’étoiles. Je précise que cette émission n’est pas un partenariat, j’ai été séduite par leur démarche qui allie la recherche pointue des météorites, leur volonté de garanti grâce à l’expertise de Luc Labenne et l’utilisation inédite de la technologie NFT, la réalisation complètement made in France et bien sûr l’association avec le designer joaillier de talent Pierre-Aymeric Ledoux.     Alors je vous propose d’entendre tout d’abord Joë Boivin, le directeur général de SpaceFox.     Puis, je suis sure que vous êtes curieux de connaitre la naissance de l’inspiration joaillière alors voici ce qu’en dit le designer Pierre-Aymeric Ledoux.     Ainsi se termine cette histoire des météorites bijoux de Spacefox. La première édition de leurs bracelets Collision est déjà épuisée mais vous pouvez les trouver sur Instagram Spacefox (https://www.instagram.com/spacefoxshop/?hl=fr)  pour une nouvelle précommande.        Je vous souhaite de merveilleuses fêtes de fin d’année et vous donne rdv en 2022 pour votre prochaine histoire de bijou !     Musique : Allan Deschamps 0 Le Sign, Vexento – Now, Chad Crouch – Algorithms  Ingénierie du son : Alice Krief – Les Belles Fréquences   (https://www.lesbellesfrequences.com/)  Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

 C’est bientôt les fêtes et j’ai envie de bulles et de légèreté et j’ai rencontré Florence, une fine femme pétillante comme les cuvées qu’elle crée.   C’est que le Champagne est profondément enraciné dans notre histoire. Ce sont les romains qui apportent les vignes quand ils envahissent la Gaule. Dans la région Champagne les conditions du climat faisait bouillonner le vin.  Ce phénomène particulier l’inscrit très tôt dans le symbolisme du sacré. En 496, l’évêque de Reims baptise Clovis avec du Champagne ! Depuis, lors de chaque cérémonie des rois de France à Reims, le vin de champagne est systématiquement servi jusqu’au XIXe siècle.   C’est une appellation AOC appellation d'origine contrôlée depuis 1936 et il appartient au patrimoine mondial de l’Unesco depuis 2015.     Florence a créé 5 champagnes comme les 5 pétales de la marguerite qui l’a inspirée. Elle y décline les 3 seuls cépages de la famille des Noiriens que le champagne autorise.   Il y a le Chardonnay, un raisin blanc qui donne un vin frais et délicat. Florence lui a dédiée la cuvée Séduction avec l’étiquette Marguerite Blanche en symbole de pureté.      Il y a le pinot noir, profond comme un grenat pyrope, qui est un raisin noir à pulpe incolore. Florence a créé avec ce cépage une marguerite rouge, qu’elle a appelée la cuvée Passion.  Et il y a le Meunier, un autre raison noir mystérieuse comme un spinelle incarnat. Florence lui a dédiée la cuvée Désir.      Par rapport à la fabrication d’un vin, l'élaboration du champagne présente 7 caractéristiques : cueillette manuelle, pressoir spécifique, assemblage, deuxième fermentation en bouteille, remuage, dégorgement et dosage, et un temps de maturation minimum. Mais ce qui différencie le Champagne, c’est la double fermentation qui se passe en bouteille.     Mais avant cela il y a l’étape cruciale de l’assemblage. Il s’agit de créer un cru sublimé par différents cépages. Pour la Marguerite Or, Florence a assemblé dans cette cuvée Extase, des Chardonnay sélectionnés sur trois villages Grand Cru : Chouilly, Cramant et Oger. C’est un Blanc de Blanc, parce qu’il ne contient que des raisins blancs. Et il est Millésimé ce qui veut dire, suivant le Comité Champagne, « qu’il conserve l’expression unique d’une année remarquable » comme chaque diamant.  Pour sa Marguerite rose, à la précieuse couleur padparadscha, Florence a assemblé 30% Pinot Noir, 30% Chardonnay, 30% Pinot Meunier et 10% de Coteaux Champenois, un Pinot Meunier affiné en fût de chêne. Un vrai bouquet que Florence a nommé Fleur de Flo.   Mais avant de faire la fête, le champagne met ses habits de soirée. Après le dégorgement, on enfonce par compression le fameux bouchon de liège écrasé au bout qui lui donne sa forme de champignon. Ce bouchage en force permet de s’assurer qu’il ne sautera pas avant que vous l’ayez décidé. Puis on met le muselet, cette plaque en fer-blanc maintenue par du fil de fer préformé. C’est une invention du docteur Jules Guyot brevetée en 1844. Le muselet est devenu le bijou du champagne. Ses collectionneurs passionnés se retrouvent sous la dénomination de placomusophilie.     Et enfin la bouteille s’enroule dans son étiquette. Florence s’est inspirée du tableau « la femme à la marguerite » d’Alphonse Mucha en dédicace à sa grand-mère, a imaginé une écriture inspirée de Mozart en référence au spectacle, et a choisi une forme de mongolfière en souvenir de ses voyages. Le tout figure un pétale. Ensemble, ses 5 cuvées forment la fleur entière de Marguerite, un prénom d'origine grecque, dérivé de «Margarita », qui veut dire « perle ».     Pour ouvrir votre précieuse bouteille vous pouvez tout en délicatesse ôter le bouchon avec le « plop » annonciateur de la fête ou carrément sabrer la bouteille. L’année qui vient s’annonce, dans toutes ses incertitudes comme ses promesses, mérite bien ce baptême au Champagne.       Musique : Allan Deschamps 0 Le Sign, bruitage mp3single  

  A Paris, les premières expositions qui présentent les arts de l’Orient datent de 1867 et 1878 ce qui crée une curiosité pour cette culture artistique. Par exemple le collectionneur Albert Jacquemart, dont le fond permettra la création du musée Jacquemart-André, écrit dans la Gazette des Beaux-Arts pour rendre compte en 1862 du livre de Charles Davillier sur « l’Histoire des faïences hispano-mauresques ».      Puis en 1903 à lieu l’exposition des « Arts musulmans » à l’Union centrale des arts décoratifs. Et le public découvre avec ravissement les cuivres damasquinés, les étoffes chatoyantes et les jeux de lumières sur les objets précieux et d’un coup ce sont les Mille et une nuits qui surgissent ainsi au cœur de Paris. Le public est plongé dans un univers rutilant et féérique qui fait écho au romantisme des artistes célébrant un orientalisme poétique comme par exemple le peintre Delacroix après sa visite au Maroc.     En 1907 c’est la convention entre la Grande Bretagne et la Russie impériale qui définit les sphères d’influence de ces 2 puissances sur La Perse, l’Afghanistan et le Tibet. Cet accord, ratifié sans informer les pays concernés, provoquera des bouleversements politiques et sociaux dont l’une des conséquences sera l’éclatement de la Perse. De plus l’Iran connaît une révolution entre 1905 et 1911. Alors se développe un nouveau commerce des antiquités venues d’Iran qui envahit le marché parisien. L’engouement pour cette esthétique orientale déclenche de nouvelles passions chez les collectionneurs.     C’est ainsi que Louis Cartier, le petit fils du fondateur de la Maison de joaillerie se prend de passion pour les miniatures persanes et mogholes ainsi que pour les reliures.     En 1909, le spectacle Shéhérazade produit au Théâtre des Champs-Elysées par les Ballets russes provoque un électro-choc culturel. Joseph-Charles Mardrus traduit Les Mille et Une Nuits que l’on s’arrache. Quand au spectacle ! Il éblouit et choque tout à la fois le microcosme parisien. La sensualité du danseur Nijinski à demi nu scandalise et inspire. Les couleurs violentes révulsent les biens pensants et influencent durablement les artistes. En joaillerie, le bracelet porté en haut du bras qui s’inspire des «bazubands» indiens devient un best-off et Cartier qui présente dès 1904 un bandeau en diamants et platine dont le décor ajouré rappelle les moucharabiehs se met à créer des aigrettes diamantées.     Puis, changement de décor : l’exposition de Munich en 1910 montre un art musulman qui efface ce caractère fabuleux pour montrer la pureté des motifs et la sobriété des lignes. On imagine alors combien le public est dérouté mais cette réalité esthétique portera en germes les lignes de l’Art déco.      En fait, les Arts de l’Islam rassemblent tout ce que nous appelons l’Orient. Ces arts sont présents de l’Andalousie à l’Inde, du Maroc au Pakistan, de l’Afghanistan au Bangladesh et de la Turquie à l’Iran. Cette esthétique orientale, typique du monde musulman et inspirée par l’Islam s’étend du VIIe siècle au XIXe et qualifie autant l’architecture mauresque renaissance de l’Alhambra que le mausolée romantique aux inspirations islamique, iranienne, ottomane et indienne qu’est le Taj Mahal.      C’est pour faire comprendre cette histoire et cette diversité que l’exposition Cartier et les Arts de l’Islam qui a lieu au Musée des Arts décoratifs jusqu’au 20 février commence par retracer l’origine de cet intérêt pour les arts et l’architecture de l’Islam à travers le contexte culturel parisien du début du XXe siècle.     En collaboration étroite avec Pierre RAINERO, directeur de l’image et du patrimoine de Cartier, le commissariat de cette exposition a été organisé par 4 conservateurs : Sarah SCHLEUNING et le Dr. Heather ECKER du Dallas Museum of Art, Judith HENON-RAYNAUD, du Musée du Louvre, et Évelyne POSSEME, du musée des Arts décoratifs.  Musique : Allan Deschamps 0 Le Sign, Maarten Schellekens - Farewell  

  La Biennale comme tous les salons est un « fait social ». ce n’est pas moi qui le dit c’est le sociologue Bertrand Pulman dans son livre « Salons, rencontres et surprises ». Selon lui, un salon a bien sûr un impact économique, mais montre également des enjeux culturels et humains de grande ampleur.  Il définit 3 axes :   D’abord un axe Tradition/ultramodernité : le salon est un pont entre hier et demain Ensuite un axe Matérialité/esthétique : le salon est un lieu autant ancré dans la réalité matérielle que dans l’imaginaire esthétique (et la Biennale s'est dotée de scénographes de talents) Et enfin un axe Concentration/rayonnement : le salon est une vitrine ouverte vers l’extérieur     A ce titre la biennale est absolument un fait social et aussi un salon tout à fait exceptionnel.     D’abord par son histoire.   La Biennale existe depuis six décennies. Depuis la première « Foire des Antiquaires de France » en 1956 qui s’épanouit en Biennale des Antiquaires en 1962, sous l’impulsion d’André Malraux et prend sa place emblématique au Grand Palais. Elle accueille le bal des débutantes en 1964, s’épanouit même en 1968, collabore avec Karl Lagerfeld en 1972 dont il sera le scénographe en 2012. La Biennale crée son 1er gala caritatif en 1996 au profit de la Fondation Hôpitaux de Paris – Hôpitaux de France. Elle devient annuelle en 2017 et se dote d’une Commission d’Admission des Œuvres (CAO) indépendante qui garantit la sélection des galeries exposantes et l’authenticité des œuvres exposées.  En 2018 Jean-Claude de Castelbajac met en scène la collection unique de Pierre-Jean Chalençon consacrée à Napoléon et en 2019 une grande exposition sur l’art du Bahrein est le cœur de cette 31e édition.  Puis il y a bien sûr eu le Covid. Alors nombre de salons ont jeté l’éponge. La sociologie des enthousiasmes chère à Bertrand Pulman peine retrouver la dynamique et l’enchantement que toutes les œuvres exposées génèrent et décuplent par le jeu des émotions partagées.  Même le Grand Palais est en restauration, alors ce sera au Grand Palais éphémère qu’aura lieu cette Biennale dont l’enjeu est de garder à La France sa place de centre du luxe, un grand salon du beau et des objets témoins de notre savoir faire d’excellence à travers le temps, comme la place Vendôme est la place de la joaillerie aux yeux du monde.     Et justement j’accueille aujourd’hui Henri Jobbé-Duval qui a rejoint l’équipe de la Biennale pour lui demander quels sont les défis et les nouveautés de cette Biennale ?       Monsieur Henri Jobbé-Duval, que je connaissais comme un spécialiste de l’art contemporain : galériste et défenseur des artistes comme Pierre Soulages, participant à la création de la FIAC, la Foire Internationale d’Art Contemporain, puis Commissaire Général de Révélation qui célèbre les métiers d’art et la création contemporaine. Alors je voulais savoir ce qui lui donné envie de vous tourner vers les antiquaires ?     Et puis, on va parler Bijou. Les relations entre la joaillerie et la biennale ont toujours été complexe. Bien sûr il y a des antiquaires du bijou. Mais pendant longtemps il y a eu la Place Vendôme mais qui exposait ses nouvelles collections de Haute joaillerie. Puis, quand ils ne sont plus venus c’est Lorenz Baumer, le trublion de la Place Vendôme qui a exposé mais toujours ses collections actuelles. Et Aujourd’hui c’est Camille Véver que que la Biennale reçoit. Alors pourquoi dans la Biennale ce ne sont pas les bijoux de Marie-Antoinette ou Sarah Bernardht que l’on voit. Pourquoi ce "privilège" de la joaillerie d’exposer l’actuel dans un salon consacré à l’histoire ?      Musique : Allan Deschamps - 0 Le Sign, Dan Bodan – The Two Season, Doug Maxwell – Bellissimo, Kevin Mac Leod - Decline