EAC et musique. Les orchestres d'enfants en territoire rural | L'établi de l'EAC

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EAC et musique. Les orchestres d'enfants en territoire rural

La musique fait partie des objets culturels les plus présents dans nos vies. Et ce, quel que soit l'âge, le genre, le milieu social, le niveau scolaire ou la nationalité des auditeurs. Pour autant, en tant qu'art non-verbal, comme le dit le sémiologue de la musique Jean Molinaud, la musique est une forme symbolique dont la maîtrise du code est inégalement partagée. Certains ont une formation musicale, certains ont grandi avec des disques à la maison, certains ont des parents musiciens, certains ont accès à une médiathèque, certains habitent à proximité d'une salle de concert, d'un conservatoire, d'une école de musique. La musique n'est donc pas un langage, au même titre que la langue française par exemple. Du moins, tant que nous ne l'apprenons, ni ne la maîtrisons, comme nous maîtrisons notre langue maternelle. Ce podcast donne à entendre des élèves en situation d'apprentissage de la musique dans différents contextes, Orchestre à l'école, Démos… Ils donnent aussi à entendre leurs enseignants.

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Transcription

Speaker #0
Bienvenue dans ce podcast établi par l'équipe de l'INSEAC, l'Institut National Supérieur de l'Éducation Artistique et Culturelle. L'INSEAC du CNAM
Speaker #1
L'éducation musicale à l'écoute, partie 1, orchestre à l'école et Demos Christbrace. Les orchestres d'enfants en zone rurale. Je suis Raphaël Roth, je suis maître de conférence en sciences de l'information et de la communication à l'INSEAC du CNAM. La musique fait partie des objets culturels les plus présents dans nos vies. Et ce, quel que soit l'âge, le genre, le milieu social, le niveau scolaire ou la nationalité des auditeurs. Pour autant, en tant qu'art non-verbal, comme le dit le sémiologue de la musique Jean Molinaud, la musique est une forme symbolique dont la maîtrise du code est inégalement partagée. Certains ont une formation musicale, certains ont grandi avec des disques à la maison, certains ont des parents musiciens, certains ont accès à une médiathèque, certains habitent à proximité d'une salle de concert, d'un conservatoire, d'une école de musique. La musique n'est donc pas un langage, au même titre que la langue française par exemple. Du moins, tant que nous ne l'apprenons, ni ne la maîtrisons, comme nous maîtrisons notre langue maternelle. Ce kit donne à entendre des élèves en situation d'apprentissage de la musique dans différents contextes. Orchestre à l'école, Demos. Ils donnent aussi à entendre leurs enseignants. Le podcast que vous vous apprêtez à écouter est le premier volet d'une série de podcasts destinés à enrichir le kit Éducation musicale de l'établi de l'EAC.
Speaker #0
Il est consacré à deux orchestres d'enfants en territoire rural.
Speaker #1
Et maintenant,
Speaker #2
voici l'histoire. Un beau matin, le petit Pierre ouvrit la porte du jardin et s'en alla dans les grands prés.
Speaker #3
Je ne sais pas lire les partitions parce que je n'ai jamais fait de solfège, mais du coup, il y en a avec les notes dessus.
Speaker #4
En lisant les partitions, les professeurs indiquent parfois des repères, des positions de pistons, etc. Et puis, après, en fonction des partitions, il peut y avoir une explication de la partition, mais on est davantage sur la pratique que sur l'apprentissage.
Speaker #0
Marc Regnault, conseiller d'AC, musique et chant choral à la DAC Bretagne et professeur de musique au collège Eugène Guilovic de Ploeg-Lhermitage.
Speaker #4
Le dispositif orchestre à l'école, c'est l'idée de mettre en place des pratiques musicales collectives dans les établissements scolaires pour enrichir le parcours d'éducation artistique et culturelle des élèves. C'est toujours un partenariat avec des écoles de musique pour l'orchestre ici. Notre partenariat, c'est un partenariat avec l'agglomération de Saint-Marieux et avec le conservatoire de Saint-Marieux, puisque les intervenants qui interviennent sont salariés du conservateur de Saint-Marieux. L'idée dans le déroulement de l'orchestre, c'est d'avoir à la fois du temps de travail par pupitre pour les élèves, donc les saxophones ensemble, les trompettes ensemble, etc. Et puis surtout, des temps de restitution collective. Le fameux touti. On essaie d'articuler un petit peu les deux. Pour les élèves, ça représente un volume horaire de deux heures par semaine. Sachant que sur ces deux heures, on n'a qu'une heure et demie d'intervention des partenaires extérieurs. Comme vous avez pu le voir ce matin, on a d'abord une petite demi-heure d'échange avec les élèves. On fait le point sur la vie de l'orchestre, sur les prochaines échéances, ce qui va se passer, etc. Et puis ensuite, le temps de pratique. Les élèves passent. Trois quarts d'heure en atelier et trois quarts d'heure en tout-outil.
Speaker #5
On ne peut pas se permettre d'avoir vraiment un gros accès sur la technique personnelle. C'est une affaire d'ensemble et d'écoute. C'est pour ça que ça met cette ambiance. dans les classes.
Speaker #0
Piups, professeur de trombone et tula.
Speaker #5
C'est être tous ensemble, écouter ce qu'on fait, écouter ce que font les autres. En école de musique, il y a ta technique personnelle, il y a ton cours, tu es tout seul, et tu dois en plus apprendre le reste quand tu fais de l'ensemble. Mais là, c'est que de l'ensemble directement, donc c'est forcément ça.
Speaker #3
Est-ce que c'est différent pour vous d'intervenir dans ce cadre-là, d'orchestre à l'école, que dans l'école de musique, quand vous avez des groupes ? Qu'est-ce qui est différent ?
Speaker #0
Nathalie Legalovitch, professeure de trompette.
Speaker #6
Alors, la différence aussi, c'est qu'à l'école de musique, un enfant qui vient faire de la trompette,
Speaker #3
on l'a en cours individuel.
Speaker #6
Là on les reçoit vraiment tous en collectif avec pour la plupart moi je sais de cette année dans le groupe des débutants. Donc c'est à la fois une attention au groupe et une attention à chacun parce que quand on démarre un instrument avant, c'est un rapport personnel aussi à l'instrument qui s'établit donc oui c'est pour moi un autre état d'esprit.
Speaker #0
Vous êtes en quelle classe ?
Speaker #4
Levez la main les sixièmes. Levez la main les cinquièmes. Levez la main les quatrièmes. Et les troisièmes. Les élèves, ils ont aussi...
Speaker #0
Marc Regnault.
Speaker #4
Ils ont six gros chapitres quant au choix du répertoire. Euh... D'abord, par exemple, on a répété ce matin un morceau de Santillano. Ça, c'est une demande des élèves, c'est une proposition des élèves. Parfois, c'est un peu compliqué parce qu'ils ne mesurent pas forcément la difficulté du morceau par rapport à leur niveau. Et puis, par ailleurs, on a aussi un stock de morceaux. Et en général, quand on va prévoir des concerts, on va piocher un, deux ou trois morceaux dans ce stock-là. Et là, c'est les élèves qui proposent le morceau qu'ils ont envie de jouer. Et puis, quand parfois des élèves se sentent moins motivés, en général, ils viennent me voir, puis on en discute ensemble, et puis on essaie de comprendre pourquoi. Parfois, il y a des élèves pour qui c'est compliqué de faire de l'instrument à la maison, par exemple. J'avais la situation, une année passée, d'une élève dont la maman était assistante maternelle, donc faire l'instrument à la maison, c'était compliqué, avec les enfants qui étaient à garder. Et parfois, il faut redire à l'élève qu'il n'y a pas d'exigence là-dessus, il n'y a pas de pression là-dessus. C'est un des rares dispositifs sur lesquels la question de la note ne se pose pas, parce qu'il n'y a pas de note. Ça ne veut pas dire qu'ils n'y travaillent pas de compétences. Donc il n'y a pas d'exigence, il n'y a pas de pression. Je peux largement me permettre d'adapter aux jeunes. que j'ai en face de moi,
Speaker #2
en fonction de ce que je perçois,
Speaker #4
de ce qu'ils sont capables de faire, et du coup ça valorise tout le monde.
Speaker #0
Gervan Mével, professeur de percussion.
Speaker #4
Ça crée vraiment une dimension de groupe, il n'y a pas de niveau équilibré, il n'y a rien, et j'en tiens compte. Donc ça, je trouve ça très bien. On n'est pas du tout une... On n'est pas une école de musique, ça reste un collège ou une école, parce qu'on va retrouver les mêmes questionnements dans les orchestres, dans les écoles primaires. Ici, la pratique musicale, elle est un outil pour travailler d'autres compétences, être ensemble, trouver sa place dans un projet collectif, etc.
Speaker #5
J'ai deux gamins que j'ai en ensemble de cuivre, un de eux, qui est un de mes anciens élèves en trombone. Je l'ai poussé plutôt vers le plus bas, c'est ça, à te faire un complément. Tu as déjà la technique de souffle, tu n'auras plus que les pistons à prendre. Et Malou qui est trompettiste, qui lui a la technique des pistons, je lui dis Mets-toi où tu vas, ça va te faire respirer autrement, moins de pression, plus de volume Et c'est aussi bien. Sinon après, je pense que les enfants, ça ne va pas amener la même ambiance. S'il y en a un qui arrive et qui maîtrise déjà son instrument vis-à-vis du puc-nitre, il ne va finir pas faire son cacou et voilà. Ce n'est pas le but du jeu.
Speaker #2
Je vais aller enlever le sac,
Speaker #4
ça enleve le sac. Bon, on va se débrouiller.
Speaker #3
Parfois, quand je suis énervée ou on est triste, quand je joue de la musique, par exemple, quand je souffre très fort dans ma trompette, quand je suis énervée, ça libère. Et puis, l'instrument, c'est vraiment un art qui nous révèle un talent qu'on ne savait pas. Par exemple, au début de l'année, je ne savais pas que j'aimais la trompette. Et aussi c'est bien parce qu'on est tous ensemble, on a tous vécu des épreuves et la musique ça libère toujours des émotions sans parler, on n'a pas besoin de parler, on doit juste jouer, ça peut libérer des émotions, c'est pour ça qu'on dit qu'il y a des partitions qui sont tristes, certaines qui sont joyeuses, d'autres ça exprime toujours des émotions. On peut continuer la musique ? Oui. Vous avez choisi vos instruments ? Oui. Vous êtes content de vos choix ? Oui. Il y en a qui voudraient changer ? Oui.
Speaker #6
Vous dites tout le temps oui ?
Speaker #3
Oui.
Speaker #4
Moi je trouve que le dispositif fonctionne très bien et
Speaker #0
Marc Réunion,
Speaker #4
c'est vraiment un dispositif très efficace. pour l'amélioration du climat scolaire. On voit bien les élèves qui sont à l'orchestre, ce sont des élèves qui sont moins impliqués dans des histoires sur les temps de vie scolaire, c'est des élèves qui sont moins absents que les autres. Ça se voit particulièrement, on a eu au mois de février un épisode de neige, donc les cars n'ont pas circulé, mais... Le jeudi matin, quasiment tous les élèves de l'orchestre étaient là. C'est-à-dire que... Et certains, d'ailleurs, ne sont venus que pour l'orchestre. C'est-à-dire que c'est vraiment un truc important pour eux. Donc là-dessus, c'est vraiment un dispositif efficace. La question du plaisir d'apprendre, c'est pas un tabou du tout dans ce genre de dispositif, c'est même au cœur du dispositif. Il faut que les élèves y prennent du plaisir et il faut qu'ils puissent aussi s'approprier le dispositif. Aujourd'hui, c'est vraiment devenu leur orchestre. C'est pour ça qu'on a insisté aussi pour que les élèves élisent leur délégué. qui les représente au conseil de la vie collégienne. Les élèves ont eux-mêmes fait des propositions. Par exemple, on va bientôt enregistrer les nouvelles sonneries du collège qui seront enregistrées par l'orchestre. Ça, c'est les idées des élèves. C'est aussi leur orchestre. Je vais m'effacer. Vous allez essayer de filmer la batterie, y compris sur l'auto de batterie, on va voir si vous êtes capables de filmer. Alors qu'au départ, on était sur de l'achat d'instruments, vraiment d'entrée de gamme, à cause de la question du coût, avec l'orchestre à l'école, l'idée c'est quand même d'avoir au moins du milieu de gamme. Donc certes, l'association orchestre à l'école finance 50%, mais sur globalement un budget qui est plus élevé quand même. Mais mine de rien, c'est quand même un investissement très lourd pour l'orchestre. Pour l'établissement, c'est un investissement aussi pour les partenaires, parce que c'est aussi des heures d'intervention qui sont mises à disposition. Mais pour cette année, il faut imaginer que sur le compte de l'établissement, il y a eu un peu plus de 10 000 euros d'investis. Il y a deux heures sur mon service, il y a deux heures d'heures supplémentaires sur le service du collègue de mathématiques qui accompagne mon projet. Ça a un effort conséquent, mais qui est quand même d'autant plus accepté que l'ensemble des collègues voient quand même le résultat de ce travail.
Speaker #0
2,
Speaker #4
1, 2, 3, 4. Dans le domaine des pratiques instrumentales collectives, on a deux dispositifs. Il y a Orchestre à l'école et il y a Demos. Demos, c'est la philharmonie qui cible un conservatoire qui va travailler avec les écoles de son secteur. Ce n'est pas l'association Orchestre à l'école, qui est le partenaire financier, qui décide de... des lieux où elle veut s'implanter. C'est je suis prof dans mon école ou dans mon collège, je veux monter un orchestre à l'école, je contacte l'école de musique du secteur pour voir s'il y a la possibilité d'un partenariat, et ensuite soit je regarde mes financements propres, soit j'avertis la tutelle, donc la commune pour une école, ou le département pour un collège. Je veux contacter Ensuite, l'association en classe à l'école. Et voilà, les choses se montent comme ça. On est vraiment sur quelque chose qui part d'une envie du terrain. Ils sont nombreux.
Speaker #2
Ils sont nombreux.
Speaker #1
tous types d'instruments, nous aurons évidemment toutes les cordes grottées, nous aurons les cordes pincées avec la classe de harpe assez exceptionnelle dans un orchestre d'Emos, toute une classe de harpe qui est en plein centre de l'orchestre, les cuivres avec les tubas, les trompettes et puis on aura les flûtes, les clarinettes et toute une ribambelle de percussions aussi assez exceptionnelle dans un orchestre d'Emos. Alors tout ce projet d'Emos fonctionne évidemment pour 45 orchestres avec des soutiens nombreux. Nous avons d'abord les ministères du point de vue de l'État, le ministère de la Culture, le ministère des Cohésions, de cohésion des territoires et des relations avec les collectivités territoriales, le ministère de l'Éducation nationale, le ministère de la Jeunesse et des Sports et le ministère de l'Outre-mer. Plus de 300 collectivités territoriales soutiennent ardemment le projet Demos, c'est-à-dire les agglomérations, les villes, les communes, les départements et les régions. évidemment la Caisse Nationale d'Allocations Familiales, et puis un parrain en or depuis de nombreuses années, c'est Lélian Thuram avec sa fondation qui s'appelle Éducation contre le Racisme, et une marraine, une pianiste, Katia Bunatijvili, même si le piano est très peu représenté dans les orchestres d'Emos. Des fois on a des pianos dans les orchestres symphoniques, mais pas là. En tout cas ce projet-là, il tient de manière nationale, piloté par la Philharmonie de Paris, mais chaque orchestre ensuite est piloté par d'autres acteurs sur le territoire. Et c'est le cas de cet orchestre, Cres Braes, qui est piloté en particulier par l'École de Musique, Danse et Théâtre du Cres Braes, de la communauté de commune Cres Braes, avec laquelle justement ils ont pu réussir à fédérer la problématique d'un orchestre comme celui-ci. Moi j'ai commencé ici en 2010 en tant que prof de trompette dans un orchestre. J'avais le métro, j'avais donné mes cours. tranquillou, on va le dire comme ça. Quand vous êtes autour de Rostrenin, 20 000 habitants, plusieurs communautés de communes, 23 communes, et vous devez aller faire du trajet, beaucoup de trajet, pour aller donner un cours par-ci, par-là, je pense qu'on peut dire énormément. Les professeurs qui ont soutenu et qui tiennent depuis trois ans, justement, ce tissage entre les communes et les enfants, et les partenaires et institutions, merci pour eux.
Speaker #0
France Grand-Dubé, chef de projet Demos Christbrise.
Speaker #2
Alors Demos, c'est un acronyme, Demos est dispositif d'éducation musicale et orchestrale à vocation sociale. Alors il y a l'OV qui est chanté, mais donc c'est bien un dispositif de musique en orchestre et à vocation sociale. La première idée de Demos, en fait, elle s'est construite autour de ce qui s'appelait le El Sistema au Venezuela. Il y a d'autres expériences comme Big Noise en Écosse, il y a eu une expérience aussi au Brésil, il y en a dans différents pays. Et donc la Philharmonie de Paris, c'était au... Au tournant des années 2009-2010, à construire une initiative, c'était aussi dans la volonté d'installer aussi cette philharmonie dans un arrondissement populaire, donc de rendre accessible la musique à des publics qui n'y ont pas accès, et de rentrer un peu en rupture avec cette reproduction sociale habituelle d'une musique savante réservée aux élites. L'idée c'était de contrer ça un petit peu, et donc d'y aller par un dispositif de formation. qui pour moi est dans le champ d'éducation artistique et culturelle évidemment, et donc de s'adresser dans des quartiers populaires, c'est pour ça que la vocation sociale est importante, et dans des MOSS, y compris ici, on a peut-être moins cette question sociale, mais plus d'éloignement. L'idée c'était de faire en sorte que ce dispositif ne bénéficie pas à des enfants déjà musiciens, mais qu'on aille au contraire le proposer à des enfants qui n'avaient pas la musique dans leur pratique. Il n'y a pas de logique à exclure un enfant motivé non plus, et certains étaient évidemment très motivés pour intégrer ce dispositif-là, mais la règle générale c'est des enfants n'ayant pas eu accès jusque-là à la pratique musicale.
Speaker #6
Je ne sais plus si on l'a dit, mais c'est complètement gratuit pour la famille.
Speaker #0
Coordinatrice des MOSS Christbrice
Speaker #6
Les cours, les ateliers vont être gratuits. Le prêt d'instrument est gratuit aussi. C'est la Philharmonie qui a un parc instrumental qui met à disposition des instruments pour les enfants. Et là, la CCKB a suivi ce principe-là jusqu'au bout en mettant sur la gratuité pour le TRAD, qui est un système de transport rural à la demande qui existe déjà sur le territoire, qui est déjà très peu cher. Mais là, pour des MOSS, c'est gratuit. C'est-à-dire qu'il y a un taxi qui fait du porte-à-porte. qui vient chercher les enfants chez eux et qui les ramène chez eux. Et c'est gratuit. Vous venez aux ateliers, au rassemblement, à l'orchestre. Voilà, on applique ce principe-là jusqu'au bout, sur tous les aspects du projet.
Speaker #2
Donc ici, il y a une volonté politique des élus de la communauté de communes du Kreisbreis, et une mise en œuvre par l'association École de musique, danse et théâtre du Kreisbreis, qui est au titre d'enseignement artistique de l'intercommunalité. Et donc un partenaire entre ces deux structures-là. Et la Philharmonie ne vient pas juste donner une enveloppe financière au territoire de se débrouiller, c'est vraiment un échange régulier, tout au long des trois ans. C'est-à-dire qu'il y a vraiment non seulement une... Une synergie entre les différents orchestres, par exemple Marine, coordinatrice, échange souvent avec ses collègues, ses homologues coordinataires sur d'autres disques Sysdemos. On tire bénéfice des expériences des autres orchestres. Et ça, le lien de la Philharmonie le fait, y compris sur la fin du projet où tous les orchestres se réunissent, aussi à la Philharmonie de Paris, à la fin en général des trois ans de pratique. Alors ici, particularité de Demos Christ's Brass sur ce qui est le répertoire du centre Bretagne, du Christ's Brass, puisqu'on est en centre Bretagne, on a décidé de s'appuyer sur l'histoire du territoire, mais tous les orchestres Demos ont un lien fort à l'oralité en fait, tout simplement parce que dans l'enseignement artistique en fait... L'oralité devrait avoir une place plus importante. Et c'est vrai que depuis la Révolution française et la création du Conservatoire de Paris, on est beaucoup parti sur le solfège, des choses très didactiques, très basées sur l'écrit. L'écrit a pris une place peut-être prédominante, un peu trop importante. Mais la musique, avant tout, ça passe par les oreilles. parce qu'on entend par l'expression, et l'écrit est un outil formidable, mais ça doit rester un outil, et c'est vrai qu'on a peut-être dans l'enseignement musical en France, à travers les deux siècles passés, beaucoup plus basé sur l'écrit, qui était vraiment, à une époque, on rentrait au conservatoire, qu'après trois ans de formation musicale, de solfège, on pouvait commencer l'instrument seulement trois ans après, là on commence d'emblée, et un peu comme un enfant va apprendre à parler avant d'apprendre à écrire, on est parti sur le même principe, donc là on chante d'abord, on fait de la danse, on a son... se positionne bien dans son corps, on apprend à communiquer avec les autres par le chant, et puis après, via l'instrument, très rapidement, quand même, au bout de deux mois. Et donc, la transmission, elle est d'abord orale. Et la transmission orale, évidemment, on trouve de magnifiques exemples dans les cultures traditionnelles, qu'elles soient de Bretagne ou d'ailleurs. Donc, dans beaucoup de démos, il y a, notamment sur la deuxième année, quand on passe de l'oral vers l'écrit, parce que l'écrit va devenir un outil de démos aussi, mais pas tout de suite. Après, il y a... C'est un exemple justement pour illustrer tout ça et pour les enfants, pour prendre conscience aussi d'un répertoire de tradition orale. Donc quand on est en quartier politique de la ville, on se base sur une tradition, soit qui est présente dans une communauté localement, par exemple sur des musiques orientales, sur des musiques indonésiennes et autres. Mais les musiques savantes restent quand même aussi un intérêt, puisque Demos, c'est l'objet de l'orchestre. Donc avec les danses anciennes, souvent en première année, on aborde aussi du répertoire. ça peut être de Mozart, de l'époque classique, Mozart, Haydn, Beethoven, l'époque romantique, là cette année, l'orchestre d'un travail d'émissive de Gabriel Fauré, donc on est début 20e, musique française du début 20e, donc ça fait partie de la culture, et puis la création contemporaine, ça aussi c'est un axe important qu'on développe souvent en troisième année de Demos, et d'avoir un équilibre, voilà, musique savante, classique, contemporaine, et puis musique de tradition orale, et on va chercher par moments à retrouver l'oralité aussi dans les musiques savantes. Si on va sur la musique baroque ou la musique de la Renaissance, on peut très facilement se passer de l'écrit à la musique baroque. Il y avait beaucoup d'improvisation dans ces musiques-là. C'était une époque, justement, avant que l'écrit prenne une place vraiment prédominante, où le compositeur n'écrivait pas tout. L'interprète avait une part très importante. Le chant, effectivement, il a une importance capitale dans Demos, mais je dirais qu'il doit être capital dans toute formation de musicien. C'est un outil indispensable, et même le ministère de la Culture, dans ses dernières versions du schéma national d'orientation pédagogique, a replacé l'importance du chant, notamment dans l'apprentissage instrumental, et le chant doit être un outil de tout musicien, quoi qu'il arrive. C'est une expression directe qui ne passe pas par la technique instrumentale, et qui permet justement de faire le lien avec ce qu'on entend.
Speaker #4
Avec toute l'expression,
Speaker #2
toute la mémorisation, tout ça passe par le chant, c'est très très lié. Donc finalement ce qu'on fait dans des mots, c'est ce qu'on devrait faire aussi dans l'apprentissage musical d'une certaine manière. C'est-à-dire qu'un professeur d'instrument aujourd'hui... Peut-être qu'il passe sur environ 30 minutes de musique, moins 5 à 10 minutes à chanter avec son élève, parce que c'est un besoin aussi, au-delà d'une technique instrumentale, de se réapproprier peut-être directement pour ensuite replacer la difficulté dans un contexte de maîtrise d'un instrument de musique. Donc là, dans des mots, on le fait parce que ça fait partie d'une pédagogie collective, qu'on se sert aussi des compétences ajoutées des chefs de chœur, des danseurs pour la danse, mais des chefs de chœur là pour les...
Speaker #6
La danse va avoir la même importance.
Speaker #0
Marine Chédoté.
Speaker #6
une articulation de tout ça en même temps. Je pense pas qu'il y ait quelque chose de préalable à l'instrument parce que ça va tout le temps ensemble. Après voilà, je vois plus de choses, mais j'enseigne pas la musique, c'est plutôt de ce que je ressens du projet, de ce que je vois du travail des chanteuses et danseuses avec des enfants. C'est quand même l'idée que tout ça s'articule en tant qu'élose qu'on va jouer à l'instrument. On sait le chanter, on sait le danser, on sait... Tout passe par là, on l'intègre vraiment de cette manière-là. Et ça permet, par exemple, si on a une difficulté à l'instrument, des choses d'interprétation aussi. Là, le phrasé, tu te rends compte que tu coupes un peu ta phrase au milieu. Ta phrase, elle fait tout ça. On la chante ensemble. À quel moment est-ce que tu respires ? La recherche, ça va être pareil. C'est vraiment un outil. pour permettre de jouer et de comprendre aussi la musique. C'est vrai que c'est un autre outil, une autre façon, un autre instrument. Pour moi c'est vraiment ça aussi. Et donc pareil avec la danse, ça va aider. On a fait beaucoup de percussions corporelles ces derniers temps, ça pourrait aussi aider rythmiquement. Mais c'est vrai qu'on a beaucoup fait en première année des choses très gestuelles. Il y avait des petites chorégraphies qui ont vraiment aidé à intégrer déjà l'esthétique du baroque. Voilà les mouvements étaient très bien. C'est une forme d'interprétation des airs qu'on jouait. Et puis, même pour ressentir aussi les différentes mesures, là c'est du temps, c'est du trois temps. Là, souvenez-vous, on ne sent pas du tout le trois temps dans ce que vous jouez, attendez, hop, on pose l'instrument, on le reprend, on danse. Là c'est bon, on l'a réintégré, maintenant on reprend l'instrument, et puis là ça repart,
Speaker #7
c'est droit.
Speaker #2
La FIERM a trouvé intéressant la complémentarité Brest Métropole, qui est un territoire très urbain, qui a une collectivité hyper rurale, et d'ailleurs qui était un peu remonte dans l'idée d'un contrat de réciprocité urbain-rurale qui a été mis en œuvre dans l'année 2015, je crois 2015-2016. Il y avait des rapports entre Brest Métropole et Pays-Centraise-Bretagne, ici on fait partie du Pays-Centraise-Bretagne. Ce projet-là rentrait assez bien en écho avec ce qui avait été fait sur ce territoire sur les temps d'activité périscolaire, qui était lié à la réforme de l'organisation scolaire qui est passée maintenant. Et à l'époque entre 2014 et 2017 à peu près, il y avait une organisation communale qui avait été coordonnée par la communauté de communes du Christ-Bras, et il y avait eu un réseau d'animateurs intervenant dans ce qu'on appelle ici des TAP, des Tents d'Activité Périscolaire, assez importants et dans différentes thématiques, que ce soit les sciences, le sport, la culture. Il y avait tout un tas de thématiques et toutes les écoles du territoire avaient globalement très bien organisé, avec des compétences nouvelles. La magie aussi. La magie aussi, voilà. Il y avait des liens pédagogiques, ce qui était pertinent. C'est vrai que l'arrêt de cette réforme scolaire avait posé la question aux élus. Et maintenant, c'est vrai qu'on avait développé, ils avaient le sentiment d'avoir développé une spécificité. D'ailleurs, je crois qu'ils aient démontré un exemple par certains territoires plus urbains. Et comment garder ce bénéfice là ? Du coup Demos est venu presque à ce moment là. Et alors même si on est sur un objet ciblé sur la musique, on dépasse le cadre de la musique. de la danse, de la musique pas qu'avec l'instrument mais aussi par le chant, et puis on est sur un projet...
Speaker #6
C'est éducatif.
Speaker #2
Un projet, voilà, dimension éducative, sociale aussi.
Speaker #6
Puis ce que je vois aussi c'est l'opportunité de travailler avec des nouvelles compétences professionnelles, on n'a pas l'habitude de travailler dans le milieu artistique, tout à l'heure je parlais du lien avec les repérents sociaux et les musiciens, mais c'est vrai que du coup les pratiques... de tous ces corps de métier viennent se compléter. Et en fait, on s'inspire beaucoup de ce qui se passe, par exemple, dans les écoles. Un truc qui est arrivé il n'y a pas très longtemps, là, on est sur un groupe de travail en ce moment pour préparer la suite de Demos, le parcours d'orchestre avancé. Et on s'est dit, mais en fait, et si on s'inspirait un peu de ce qu'ils font, les instits à l'école, parce que dans le genre fiches outils, fiches méthodologies, ils sont hyper calés, hyper forts là-dessus. Ben voilà, est-ce qu'on ne va pas s'inspirer de ça pour faire des fiches de prépa de cours, pour que ce soit transposable aux autres ? Surtout quand on travaille en équipe, il faut que les choses puissent être transmises. Donc voilà, juste des choses comme ça. Chaque métier a un peu ses petites fiches outils. C'est son fonctionnement qui peut être transposable et donc qui se nourrit aussi. Et je pense aussi dans les centres de loisirs, les animateurs qui ont l'habitude de gérer des groupes. d'une manière hyper bien, d'assurer la bienveillance entre les enfants, qui ont aussi ce rôle éducatif-là, ils apportent ça aussi dans les vœux. C'est vraiment une occasion de complémentarité de tous ces champs professionnels-là, et c'est vraiment, oui, c'est l'occasion.
Speaker #0
L'éducation musicale à l'écoute, partie 1, orchestre à l'école et démos Christ Brice, des orchestres d'enfants en zone rurale, un documentaire sonore de l'INSEEAC. Merci à l'ensemble des intervenants que vous avez pu entendre dans ce podcast, aux élèves du collège de jeunes guillemets de plus de 40 âges, aux élèves du projet démos Christ Brice, merci à Gérard Philippe, Serge Prokofiev, Pierre et Leloup. Merci à la Fédérale de l'Histoire, à Propos recueillis par Raphaël Roth et Lisa Lacombe et réalisations par Yannick Hervé et Alexandre Manzanares sur une musique originale du groupe Malo. Les kits de l'éducation artistique et culturelle sont pensés pour mettre en œuvre la charte pour l'éducation artistique et culturelle, et notamment son article 10 qui dit la chose suivante. Le développement de l'éducation artistique et culturelle doit faire l'objet de travaux de recherche et d'évaluation permettant de cerner l'impact des actions, d'en améliorer la qualité et d'encourager les démarches innovantes. Il est placé sous la direction scientifique d'Emmanuel Etis. Pour retrouver l'ensemble des éléments qui composent le kit et vous-même y contribuer si vous le souhaitez, Rendez-vous sur le site internet de l'établi de l'EAC Si vous avez aimé ce podcast,
Speaker #2
faites-le nous savoir avec un pouce bleu et n'hésitez pas à vous abonner pour être informé de nos prochaines diffusions Merci de votre écoute Transformer une expérience en émotion L'INSEAC du CNAM

Chapters

L'Inséac du Cnam
0sec
Introduction par Raphaël Roth, maître de conférence à l'Inséac
11sec
Musiciens ou novices, accompagner les enfants
1min
La musique comme vecteur d'épanouissement
10min
DEMOS, faciliter l'accès à l'éducation musicale
17min
Un cursus qui intègre musique, danse et chant
24min
Conclusion et crédits
30min

About L'établi de l'EAC

Un établi, c’est une table sur laquelle on dispose ou fixe la pièce à travailler, à fabriquer. L’établi de l’anthropologue Robert Linhard dans l’ouvrage homonyme, c’est aussi un militant intellectuel, qui est « établi » dans une usine pour y partager les conditions de vie ouvrière. C’est bien d’une fabrique qu’il s’agit dans l’Établi de l’Éducation Artistique et Culturelle. Mais d’une fabrique dont on sait déjà qu’elle sera détournée, bricolée – au sens de Michel De Certeau – par celles et ceux qui voudront s’en emparer. La matière première c’est le savoir ! L'ouvrage, c'est ce que l'enseignant pourra ou voudra en faire dans sa classe avec ceux qui sont à l'oeuvre, les élèves (ouvriers de leur savoir). La valeur ajoutée est la production des élèves sous des formes diverses à inventer. Les chercheurs occupent une place qui n’est pas neutre au sein de l’Établi de l’EAC : ils observent et participent à la production des kits pédagogiques car il s’agit de se mettre à la place des acteurs et à leur côté pour bien les comprendre. A la différence de l’Établi de Robert Linhart cependant, et plus proche de la vision d’Edgar Morin sur le terrain breton de Plozévet, l’Établi est à la fois envisagé comme le support de la fabrique des contenus et ressources en EAC mais aussi comme le lieu de l’observation et de la fabrique, sur un temps long, d’une relation scientifique et d’un collectif de chercheurs sur le terrain du laboratoire à ciel ouvert qu’est le territoire de Guingamp.

Robert Linhart, Edgar Morin, Michel De Certeau et Charles Baudelaire inspirent donc ce qui se construit dans l’Établi de l’EAC, y compris dans les vertus émancipatrices que nous accordons à l’EAC. Rencontre, pratique et connaissance : les piliers de l’EAC sont ceux de l’Établi pédagogique de l’INSEAC dont l’objectif sera aussi de « casser le joujou », pour mieux le reconstruire. Comme les jouets de Baudelaire, l’art agit sur les enfants, d’autant mieux qu’ils le comprennent. Pour le comprendre, comme leurs jouets, ils ont besoin de le déconstruire, de le manipuler, de le maltraiter pour en saisir « l’âme ». L’éducation artistique et culturelle passe par cette nécessité de casser le joujou, de le déconstruire pour comprendre comment il fonctionne. Cela participe de la construction de l’esprit critique du spectateur, de son émancipation et révèle ce désir d’art et de culture afin d’alimenter les « formes les plus délicieuses du beau » pour emprunter à nouveau une formule de Baudelaire.

L’Établi de l’EAC c’est également un lieu de formation et de recherche : l’INSEAC. Un lieu physique dans lequel vous pourrez produire les ressources et contribuer aux activités de l’Institut National Supérieur de l’Éducation Artistique et Culturelle pour atteindre, ensemble, le 100% EAC.

Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

About L'établi de l'EAC

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Description

https://etabli-eac.cnam-inseac.fr/les-orchestres-denfants-en-territoire-rural/

EAC et musique. Les orchestres d'enfants en territoire rural

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Transcription

Speaker #0
Bienvenue dans ce podcast établi par l'équipe de l'INSEAC, l'Institut National Supérieur de l'Éducation Artistique et Culturelle. L'INSEAC du CNAM
Speaker #1
L'éducation musicale à l'écoute, partie 1, orchestre à l'école et Demos Christbrace. Les orchestres d'enfants en zone rurale. Je suis Raphaël Roth, je suis maître de conférence en sciences de l'information et de la communication à l'INSEAC du CNAM. La musique fait partie des objets culturels les plus présents dans nos vies. Et ce, quel que soit l'âge, le genre, le milieu social, le niveau scolaire ou la nationalité des auditeurs. Pour autant, en tant qu'art non-verbal, comme le dit le sémiologue de la musique Jean Molinaud, la musique est une forme symbolique dont la maîtrise du code est inégalement partagée. Certains ont une formation musicale, certains ont grandi avec des disques à la maison, certains ont des parents musiciens, certains ont accès à une médiathèque, certains habitent à proximité d'une salle de concert, d'un conservatoire, d'une école de musique. La musique n'est donc pas un langage, au même titre que la langue française par exemple. Du moins, tant que nous ne l'apprenons, ni ne la maîtrisons, comme nous maîtrisons notre langue maternelle. Ce kit donne à entendre des élèves en situation d'apprentissage de la musique dans différents contextes. Orchestre à l'école, Demos. Ils donnent aussi à entendre leurs enseignants. Le podcast que vous vous apprêtez à écouter est le premier volet d'une série de podcasts destinés à enrichir le kit Éducation musicale de l'établi de l'EAC.
Speaker #0
Il est consacré à deux orchestres d'enfants en territoire rural.
Speaker #1
Et maintenant,
Speaker #2
voici l'histoire. Un beau matin, le petit Pierre ouvrit la porte du jardin et s'en alla dans les grands prés.
Speaker #3
Je ne sais pas lire les partitions parce que je n'ai jamais fait de solfège, mais du coup, il y en a avec les notes dessus.
Speaker #4
En lisant les partitions, les professeurs indiquent parfois des repères, des positions de pistons, etc. Et puis, après, en fonction des partitions, il peut y avoir une explication de la partition, mais on est davantage sur la pratique que sur l'apprentissage.
Speaker #0
Marc Regnault, conseiller d'AC, musique et chant choral à la DAC Bretagne et professeur de musique au collège Eugène Guilovic de Ploeg-Lhermitage.
Speaker #4
Le dispositif orchestre à l'école, c'est l'idée de mettre en place des pratiques musicales collectives dans les établissements scolaires pour enrichir le parcours d'éducation artistique et culturelle des élèves. C'est toujours un partenariat avec des écoles de musique pour l'orchestre ici. Notre partenariat, c'est un partenariat avec l'agglomération de Saint-Marieux et avec le conservatoire de Saint-Marieux, puisque les intervenants qui interviennent sont salariés du conservateur de Saint-Marieux. L'idée dans le déroulement de l'orchestre, c'est d'avoir à la fois du temps de travail par pupitre pour les élèves, donc les saxophones ensemble, les trompettes ensemble, etc. Et puis surtout, des temps de restitution collective. Le fameux touti. On essaie d'articuler un petit peu les deux. Pour les élèves, ça représente un volume horaire de deux heures par semaine. Sachant que sur ces deux heures, on n'a qu'une heure et demie d'intervention des partenaires extérieurs. Comme vous avez pu le voir ce matin, on a d'abord une petite demi-heure d'échange avec les élèves. On fait le point sur la vie de l'orchestre, sur les prochaines échéances, ce qui va se passer, etc. Et puis ensuite, le temps de pratique. Les élèves passent. Trois quarts d'heure en atelier et trois quarts d'heure en tout-outil.
Speaker #5
On ne peut pas se permettre d'avoir vraiment un gros accès sur la technique personnelle. C'est une affaire d'ensemble et d'écoute. C'est pour ça que ça met cette ambiance. dans les classes.
Speaker #0
Piups, professeur de trombone et tula.
Speaker #5
C'est être tous ensemble, écouter ce qu'on fait, écouter ce que font les autres. En école de musique, il y a ta technique personnelle, il y a ton cours, tu es tout seul, et tu dois en plus apprendre le reste quand tu fais de l'ensemble. Mais là, c'est que de l'ensemble directement, donc c'est forcément ça.
Speaker #3
Est-ce que c'est différent pour vous d'intervenir dans ce cadre-là, d'orchestre à l'école, que dans l'école de musique, quand vous avez des groupes ? Qu'est-ce qui est différent ?
Speaker #0
Nathalie Legalovitch, professeure de trompette.
Speaker #6
Alors, la différence aussi, c'est qu'à l'école de musique, un enfant qui vient faire de la trompette,
Speaker #3
on l'a en cours individuel.
Speaker #6
Là on les reçoit vraiment tous en collectif avec pour la plupart moi je sais de cette année dans le groupe des débutants. Donc c'est à la fois une attention au groupe et une attention à chacun parce que quand on démarre un instrument avant, c'est un rapport personnel aussi à l'instrument qui s'établit donc oui c'est pour moi un autre état d'esprit.
Speaker #0
Vous êtes en quelle classe ?
Speaker #4
Levez la main les sixièmes. Levez la main les cinquièmes. Levez la main les quatrièmes. Et les troisièmes. Les élèves, ils ont aussi...
Speaker #0
Marc Regnault.
Speaker #4
Ils ont six gros chapitres quant au choix du répertoire. Euh... D'abord, par exemple, on a répété ce matin un morceau de Santillano. Ça, c'est une demande des élèves, c'est une proposition des élèves. Parfois, c'est un peu compliqué parce qu'ils ne mesurent pas forcément la difficulté du morceau par rapport à leur niveau. Et puis, par ailleurs, on a aussi un stock de morceaux. Et en général, quand on va prévoir des concerts, on va piocher un, deux ou trois morceaux dans ce stock-là. Et là, c'est les élèves qui proposent le morceau qu'ils ont envie de jouer. Et puis, quand parfois des élèves se sentent moins motivés, en général, ils viennent me voir, puis on en discute ensemble, et puis on essaie de comprendre pourquoi. Parfois, il y a des élèves pour qui c'est compliqué de faire de l'instrument à la maison, par exemple. J'avais la situation, une année passée, d'une élève dont la maman était assistante maternelle, donc faire l'instrument à la maison, c'était compliqué, avec les enfants qui étaient à garder. Et parfois, il faut redire à l'élève qu'il n'y a pas d'exigence là-dessus, il n'y a pas de pression là-dessus. C'est un des rares dispositifs sur lesquels la question de la note ne se pose pas, parce qu'il n'y a pas de note. Ça ne veut pas dire qu'ils n'y travaillent pas de compétences. Donc il n'y a pas d'exigence, il n'y a pas de pression. Je peux largement me permettre d'adapter aux jeunes. que j'ai en face de moi,
Speaker #2
en fonction de ce que je perçois,
Speaker #4
de ce qu'ils sont capables de faire, et du coup ça valorise tout le monde.
Speaker #0
Gervan Mével, professeur de percussion.
Speaker #4
Ça crée vraiment une dimension de groupe, il n'y a pas de niveau équilibré, il n'y a rien, et j'en tiens compte. Donc ça, je trouve ça très bien. On n'est pas du tout une... On n'est pas une école de musique, ça reste un collège ou une école, parce qu'on va retrouver les mêmes questionnements dans les orchestres, dans les écoles primaires. Ici, la pratique musicale, elle est un outil pour travailler d'autres compétences, être ensemble, trouver sa place dans un projet collectif, etc.
Speaker #5
J'ai deux gamins que j'ai en ensemble de cuivre, un de eux, qui est un de mes anciens élèves en trombone. Je l'ai poussé plutôt vers le plus bas, c'est ça, à te faire un complément. Tu as déjà la technique de souffle, tu n'auras plus que les pistons à prendre. Et Malou qui est trompettiste, qui lui a la technique des pistons, je lui dis Mets-toi où tu vas, ça va te faire respirer autrement, moins de pression, plus de volume Et c'est aussi bien. Sinon après, je pense que les enfants, ça ne va pas amener la même ambiance. S'il y en a un qui arrive et qui maîtrise déjà son instrument vis-à-vis du puc-nitre, il ne va finir pas faire son cacou et voilà. Ce n'est pas le but du jeu.
Speaker #2
Je vais aller enlever le sac,
Speaker #4
ça enleve le sac. Bon, on va se débrouiller.
Speaker #3
Parfois, quand je suis énervée ou on est triste, quand je joue de la musique, par exemple, quand je souffre très fort dans ma trompette, quand je suis énervée, ça libère. Et puis, l'instrument, c'est vraiment un art qui nous révèle un talent qu'on ne savait pas. Par exemple, au début de l'année, je ne savais pas que j'aimais la trompette. Et aussi c'est bien parce qu'on est tous ensemble, on a tous vécu des épreuves et la musique ça libère toujours des émotions sans parler, on n'a pas besoin de parler, on doit juste jouer, ça peut libérer des émotions, c'est pour ça qu'on dit qu'il y a des partitions qui sont tristes, certaines qui sont joyeuses, d'autres ça exprime toujours des émotions. On peut continuer la musique ? Oui. Vous avez choisi vos instruments ? Oui. Vous êtes content de vos choix ? Oui. Il y en a qui voudraient changer ? Oui.
Speaker #6
Vous dites tout le temps oui ?
Speaker #3
Oui.
Speaker #4
Moi je trouve que le dispositif fonctionne très bien et
Speaker #0
Marc Réunion,
Speaker #4
c'est vraiment un dispositif très efficace. pour l'amélioration du climat scolaire. On voit bien les élèves qui sont à l'orchestre, ce sont des élèves qui sont moins impliqués dans des histoires sur les temps de vie scolaire, c'est des élèves qui sont moins absents que les autres. Ça se voit particulièrement, on a eu au mois de février un épisode de neige, donc les cars n'ont pas circulé, mais... Le jeudi matin, quasiment tous les élèves de l'orchestre étaient là. C'est-à-dire que... Et certains, d'ailleurs, ne sont venus que pour l'orchestre. C'est-à-dire que c'est vraiment un truc important pour eux. Donc là-dessus, c'est vraiment un dispositif efficace. La question du plaisir d'apprendre, c'est pas un tabou du tout dans ce genre de dispositif, c'est même au cœur du dispositif. Il faut que les élèves y prennent du plaisir et il faut qu'ils puissent aussi s'approprier le dispositif. Aujourd'hui, c'est vraiment devenu leur orchestre. C'est pour ça qu'on a insisté aussi pour que les élèves élisent leur délégué. qui les représente au conseil de la vie collégienne. Les élèves ont eux-mêmes fait des propositions. Par exemple, on va bientôt enregistrer les nouvelles sonneries du collège qui seront enregistrées par l'orchestre. Ça, c'est les idées des élèves. C'est aussi leur orchestre. Je vais m'effacer. Vous allez essayer de filmer la batterie, y compris sur l'auto de batterie, on va voir si vous êtes capables de filmer. Alors qu'au départ, on était sur de l'achat d'instruments, vraiment d'entrée de gamme, à cause de la question du coût, avec l'orchestre à l'école, l'idée c'est quand même d'avoir au moins du milieu de gamme. Donc certes, l'association orchestre à l'école finance 50%, mais sur globalement un budget qui est plus élevé quand même. Mais mine de rien, c'est quand même un investissement très lourd pour l'orchestre. Pour l'établissement, c'est un investissement aussi pour les partenaires, parce que c'est aussi des heures d'intervention qui sont mises à disposition. Mais pour cette année, il faut imaginer que sur le compte de l'établissement, il y a eu un peu plus de 10 000 euros d'investis. Il y a deux heures sur mon service, il y a deux heures d'heures supplémentaires sur le service du collègue de mathématiques qui accompagne mon projet. Ça a un effort conséquent, mais qui est quand même d'autant plus accepté que l'ensemble des collègues voient quand même le résultat de ce travail.
Speaker #0
2,
Speaker #4
1, 2, 3, 4. Dans le domaine des pratiques instrumentales collectives, on a deux dispositifs. Il y a Orchestre à l'école et il y a Demos. Demos, c'est la philharmonie qui cible un conservatoire qui va travailler avec les écoles de son secteur. Ce n'est pas l'association Orchestre à l'école, qui est le partenaire financier, qui décide de... des lieux où elle veut s'implanter. C'est je suis prof dans mon école ou dans mon collège, je veux monter un orchestre à l'école, je contacte l'école de musique du secteur pour voir s'il y a la possibilité d'un partenariat, et ensuite soit je regarde mes financements propres, soit j'avertis la tutelle, donc la commune pour une école, ou le département pour un collège. Je veux contacter Ensuite, l'association en classe à l'école. Et voilà, les choses se montent comme ça. On est vraiment sur quelque chose qui part d'une envie du terrain. Ils sont nombreux.
Speaker #2
Ils sont nombreux.
Speaker #1
tous types d'instruments, nous aurons évidemment toutes les cordes grottées, nous aurons les cordes pincées avec la classe de harpe assez exceptionnelle dans un orchestre d'Emos, toute une classe de harpe qui est en plein centre de l'orchestre, les cuivres avec les tubas, les trompettes et puis on aura les flûtes, les clarinettes et toute une ribambelle de percussions aussi assez exceptionnelle dans un orchestre d'Emos. Alors tout ce projet d'Emos fonctionne évidemment pour 45 orchestres avec des soutiens nombreux. Nous avons d'abord les ministères du point de vue de l'État, le ministère de la Culture, le ministère des Cohésions, de cohésion des territoires et des relations avec les collectivités territoriales, le ministère de l'Éducation nationale, le ministère de la Jeunesse et des Sports et le ministère de l'Outre-mer. Plus de 300 collectivités territoriales soutiennent ardemment le projet Demos, c'est-à-dire les agglomérations, les villes, les communes, les départements et les régions. évidemment la Caisse Nationale d'Allocations Familiales, et puis un parrain en or depuis de nombreuses années, c'est Lélian Thuram avec sa fondation qui s'appelle Éducation contre le Racisme, et une marraine, une pianiste, Katia Bunatijvili, même si le piano est très peu représenté dans les orchestres d'Emos. Des fois on a des pianos dans les orchestres symphoniques, mais pas là. En tout cas ce projet-là, il tient de manière nationale, piloté par la Philharmonie de Paris, mais chaque orchestre ensuite est piloté par d'autres acteurs sur le territoire. Et c'est le cas de cet orchestre, Cres Braes, qui est piloté en particulier par l'École de Musique, Danse et Théâtre du Cres Braes, de la communauté de commune Cres Braes, avec laquelle justement ils ont pu réussir à fédérer la problématique d'un orchestre comme celui-ci. Moi j'ai commencé ici en 2010 en tant que prof de trompette dans un orchestre. J'avais le métro, j'avais donné mes cours. tranquillou, on va le dire comme ça. Quand vous êtes autour de Rostrenin, 20 000 habitants, plusieurs communautés de communes, 23 communes, et vous devez aller faire du trajet, beaucoup de trajet, pour aller donner un cours par-ci, par-là, je pense qu'on peut dire énormément. Les professeurs qui ont soutenu et qui tiennent depuis trois ans, justement, ce tissage entre les communes et les enfants, et les partenaires et institutions, merci pour eux.
Speaker #0
France Grand-Dubé, chef de projet Demos Christbrise.
Speaker #2
Alors Demos, c'est un acronyme, Demos est dispositif d'éducation musicale et orchestrale à vocation sociale. Alors il y a l'OV qui est chanté, mais donc c'est bien un dispositif de musique en orchestre et à vocation sociale. La première idée de Demos, en fait, elle s'est construite autour de ce qui s'appelait le El Sistema au Venezuela. Il y a d'autres expériences comme Big Noise en Écosse, il y a eu une expérience aussi au Brésil, il y en a dans différents pays. Et donc la Philharmonie de Paris, c'était au... Au tournant des années 2009-2010, à construire une initiative, c'était aussi dans la volonté d'installer aussi cette philharmonie dans un arrondissement populaire, donc de rendre accessible la musique à des publics qui n'y ont pas accès, et de rentrer un peu en rupture avec cette reproduction sociale habituelle d'une musique savante réservée aux élites. L'idée c'était de contrer ça un petit peu, et donc d'y aller par un dispositif de formation. qui pour moi est dans le champ d'éducation artistique et culturelle évidemment, et donc de s'adresser dans des quartiers populaires, c'est pour ça que la vocation sociale est importante, et dans des MOSS, y compris ici, on a peut-être moins cette question sociale, mais plus d'éloignement. L'idée c'était de faire en sorte que ce dispositif ne bénéficie pas à des enfants déjà musiciens, mais qu'on aille au contraire le proposer à des enfants qui n'avaient pas la musique dans leur pratique. Il n'y a pas de logique à exclure un enfant motivé non plus, et certains étaient évidemment très motivés pour intégrer ce dispositif-là, mais la règle générale c'est des enfants n'ayant pas eu accès jusque-là à la pratique musicale.
Speaker #6
Je ne sais plus si on l'a dit, mais c'est complètement gratuit pour la famille.
Speaker #0
Coordinatrice des MOSS Christbrice
Speaker #6
Les cours, les ateliers vont être gratuits. Le prêt d'instrument est gratuit aussi. C'est la Philharmonie qui a un parc instrumental qui met à disposition des instruments pour les enfants. Et là, la CCKB a suivi ce principe-là jusqu'au bout en mettant sur la gratuité pour le TRAD, qui est un système de transport rural à la demande qui existe déjà sur le territoire, qui est déjà très peu cher. Mais là, pour des MOSS, c'est gratuit. C'est-à-dire qu'il y a un taxi qui fait du porte-à-porte. qui vient chercher les enfants chez eux et qui les ramène chez eux. Et c'est gratuit. Vous venez aux ateliers, au rassemblement, à l'orchestre. Voilà, on applique ce principe-là jusqu'au bout, sur tous les aspects du projet.
Speaker #2
Donc ici, il y a une volonté politique des élus de la communauté de communes du Kreisbreis, et une mise en œuvre par l'association École de musique, danse et théâtre du Kreisbreis, qui est au titre d'enseignement artistique de l'intercommunalité. Et donc un partenaire entre ces deux structures-là. Et la Philharmonie ne vient pas juste donner une enveloppe financière au territoire de se débrouiller, c'est vraiment un échange régulier, tout au long des trois ans. C'est-à-dire qu'il y a vraiment non seulement une... Une synergie entre les différents orchestres, par exemple Marine, coordinatrice, échange souvent avec ses collègues, ses homologues coordinataires sur d'autres disques Sysdemos. On tire bénéfice des expériences des autres orchestres. Et ça, le lien de la Philharmonie le fait, y compris sur la fin du projet où tous les orchestres se réunissent, aussi à la Philharmonie de Paris, à la fin en général des trois ans de pratique. Alors ici, particularité de Demos Christ's Brass sur ce qui est le répertoire du centre Bretagne, du Christ's Brass, puisqu'on est en centre Bretagne, on a décidé de s'appuyer sur l'histoire du territoire, mais tous les orchestres Demos ont un lien fort à l'oralité en fait, tout simplement parce que dans l'enseignement artistique en fait... L'oralité devrait avoir une place plus importante. Et c'est vrai que depuis la Révolution française et la création du Conservatoire de Paris, on est beaucoup parti sur le solfège, des choses très didactiques, très basées sur l'écrit. L'écrit a pris une place peut-être prédominante, un peu trop importante. Mais la musique, avant tout, ça passe par les oreilles. parce qu'on entend par l'expression, et l'écrit est un outil formidable, mais ça doit rester un outil, et c'est vrai qu'on a peut-être dans l'enseignement musical en France, à travers les deux siècles passés, beaucoup plus basé sur l'écrit, qui était vraiment, à une époque, on rentrait au conservatoire, qu'après trois ans de formation musicale, de solfège, on pouvait commencer l'instrument seulement trois ans après, là on commence d'emblée, et un peu comme un enfant va apprendre à parler avant d'apprendre à écrire, on est parti sur le même principe, donc là on chante d'abord, on fait de la danse, on a son... se positionne bien dans son corps, on apprend à communiquer avec les autres par le chant, et puis après, via l'instrument, très rapidement, quand même, au bout de deux mois. Et donc, la transmission, elle est d'abord orale. Et la transmission orale, évidemment, on trouve de magnifiques exemples dans les cultures traditionnelles, qu'elles soient de Bretagne ou d'ailleurs. Donc, dans beaucoup de démos, il y a, notamment sur la deuxième année, quand on passe de l'oral vers l'écrit, parce que l'écrit va devenir un outil de démos aussi, mais pas tout de suite. Après, il y a... C'est un exemple justement pour illustrer tout ça et pour les enfants, pour prendre conscience aussi d'un répertoire de tradition orale. Donc quand on est en quartier politique de la ville, on se base sur une tradition, soit qui est présente dans une communauté localement, par exemple sur des musiques orientales, sur des musiques indonésiennes et autres. Mais les musiques savantes restent quand même aussi un intérêt, puisque Demos, c'est l'objet de l'orchestre. Donc avec les danses anciennes, souvent en première année, on aborde aussi du répertoire. ça peut être de Mozart, de l'époque classique, Mozart, Haydn, Beethoven, l'époque romantique, là cette année, l'orchestre d'un travail d'émissive de Gabriel Fauré, donc on est début 20e, musique française du début 20e, donc ça fait partie de la culture, et puis la création contemporaine, ça aussi c'est un axe important qu'on développe souvent en troisième année de Demos, et d'avoir un équilibre, voilà, musique savante, classique, contemporaine, et puis musique de tradition orale, et on va chercher par moments à retrouver l'oralité aussi dans les musiques savantes. Si on va sur la musique baroque ou la musique de la Renaissance, on peut très facilement se passer de l'écrit à la musique baroque. Il y avait beaucoup d'improvisation dans ces musiques-là. C'était une époque, justement, avant que l'écrit prenne une place vraiment prédominante, où le compositeur n'écrivait pas tout. L'interprète avait une part très importante. Le chant, effectivement, il a une importance capitale dans Demos, mais je dirais qu'il doit être capital dans toute formation de musicien. C'est un outil indispensable, et même le ministère de la Culture, dans ses dernières versions du schéma national d'orientation pédagogique, a replacé l'importance du chant, notamment dans l'apprentissage instrumental, et le chant doit être un outil de tout musicien, quoi qu'il arrive. C'est une expression directe qui ne passe pas par la technique instrumentale, et qui permet justement de faire le lien avec ce qu'on entend.
Speaker #4
Avec toute l'expression,
Speaker #2
toute la mémorisation, tout ça passe par le chant, c'est très très lié. Donc finalement ce qu'on fait dans des mots, c'est ce qu'on devrait faire aussi dans l'apprentissage musical d'une certaine manière. C'est-à-dire qu'un professeur d'instrument aujourd'hui... Peut-être qu'il passe sur environ 30 minutes de musique, moins 5 à 10 minutes à chanter avec son élève, parce que c'est un besoin aussi, au-delà d'une technique instrumentale, de se réapproprier peut-être directement pour ensuite replacer la difficulté dans un contexte de maîtrise d'un instrument de musique. Donc là, dans des mots, on le fait parce que ça fait partie d'une pédagogie collective, qu'on se sert aussi des compétences ajoutées des chefs de chœur, des danseurs pour la danse, mais des chefs de chœur là pour les...
Speaker #6
La danse va avoir la même importance.
Speaker #0
Marine Chédoté.
Speaker #6
une articulation de tout ça en même temps. Je pense pas qu'il y ait quelque chose de préalable à l'instrument parce que ça va tout le temps ensemble. Après voilà, je vois plus de choses, mais j'enseigne pas la musique, c'est plutôt de ce que je ressens du projet, de ce que je vois du travail des chanteuses et danseuses avec des enfants. C'est quand même l'idée que tout ça s'articule en tant qu'élose qu'on va jouer à l'instrument. On sait le chanter, on sait le danser, on sait... Tout passe par là, on l'intègre vraiment de cette manière-là. Et ça permet, par exemple, si on a une difficulté à l'instrument, des choses d'interprétation aussi. Là, le phrasé, tu te rends compte que tu coupes un peu ta phrase au milieu. Ta phrase, elle fait tout ça. On la chante ensemble. À quel moment est-ce que tu respires ? La recherche, ça va être pareil. C'est vraiment un outil. pour permettre de jouer et de comprendre aussi la musique. C'est vrai que c'est un autre outil, une autre façon, un autre instrument. Pour moi c'est vraiment ça aussi. Et donc pareil avec la danse, ça va aider. On a fait beaucoup de percussions corporelles ces derniers temps, ça pourrait aussi aider rythmiquement. Mais c'est vrai qu'on a beaucoup fait en première année des choses très gestuelles. Il y avait des petites chorégraphies qui ont vraiment aidé à intégrer déjà l'esthétique du baroque. Voilà les mouvements étaient très bien. C'est une forme d'interprétation des airs qu'on jouait. Et puis, même pour ressentir aussi les différentes mesures, là c'est du temps, c'est du trois temps. Là, souvenez-vous, on ne sent pas du tout le trois temps dans ce que vous jouez, attendez, hop, on pose l'instrument, on le reprend, on danse. Là c'est bon, on l'a réintégré, maintenant on reprend l'instrument, et puis là ça repart,
Speaker #7
c'est droit.
Speaker #2
La FIERM a trouvé intéressant la complémentarité Brest Métropole, qui est un territoire très urbain, qui a une collectivité hyper rurale, et d'ailleurs qui était un peu remonte dans l'idée d'un contrat de réciprocité urbain-rurale qui a été mis en œuvre dans l'année 2015, je crois 2015-2016. Il y avait des rapports entre Brest Métropole et Pays-Centraise-Bretagne, ici on fait partie du Pays-Centraise-Bretagne. Ce projet-là rentrait assez bien en écho avec ce qui avait été fait sur ce territoire sur les temps d'activité périscolaire, qui était lié à la réforme de l'organisation scolaire qui est passée maintenant. Et à l'époque entre 2014 et 2017 à peu près, il y avait une organisation communale qui avait été coordonnée par la communauté de communes du Christ-Bras, et il y avait eu un réseau d'animateurs intervenant dans ce qu'on appelle ici des TAP, des Tents d'Activité Périscolaire, assez importants et dans différentes thématiques, que ce soit les sciences, le sport, la culture. Il y avait tout un tas de thématiques et toutes les écoles du territoire avaient globalement très bien organisé, avec des compétences nouvelles. La magie aussi. La magie aussi, voilà. Il y avait des liens pédagogiques, ce qui était pertinent. C'est vrai que l'arrêt de cette réforme scolaire avait posé la question aux élus. Et maintenant, c'est vrai qu'on avait développé, ils avaient le sentiment d'avoir développé une spécificité. D'ailleurs, je crois qu'ils aient démontré un exemple par certains territoires plus urbains. Et comment garder ce bénéfice là ? Du coup Demos est venu presque à ce moment là. Et alors même si on est sur un objet ciblé sur la musique, on dépasse le cadre de la musique. de la danse, de la musique pas qu'avec l'instrument mais aussi par le chant, et puis on est sur un projet...
Speaker #6
C'est éducatif.
Speaker #2
Un projet, voilà, dimension éducative, sociale aussi.
Speaker #6
Puis ce que je vois aussi c'est l'opportunité de travailler avec des nouvelles compétences professionnelles, on n'a pas l'habitude de travailler dans le milieu artistique, tout à l'heure je parlais du lien avec les repérents sociaux et les musiciens, mais c'est vrai que du coup les pratiques... de tous ces corps de métier viennent se compléter. Et en fait, on s'inspire beaucoup de ce qui se passe, par exemple, dans les écoles. Un truc qui est arrivé il n'y a pas très longtemps, là, on est sur un groupe de travail en ce moment pour préparer la suite de Demos, le parcours d'orchestre avancé. Et on s'est dit, mais en fait, et si on s'inspirait un peu de ce qu'ils font, les instits à l'école, parce que dans le genre fiches outils, fiches méthodologies, ils sont hyper calés, hyper forts là-dessus. Ben voilà, est-ce qu'on ne va pas s'inspirer de ça pour faire des fiches de prépa de cours, pour que ce soit transposable aux autres ? Surtout quand on travaille en équipe, il faut que les choses puissent être transmises. Donc voilà, juste des choses comme ça. Chaque métier a un peu ses petites fiches outils. C'est son fonctionnement qui peut être transposable et donc qui se nourrit aussi. Et je pense aussi dans les centres de loisirs, les animateurs qui ont l'habitude de gérer des groupes. d'une manière hyper bien, d'assurer la bienveillance entre les enfants, qui ont aussi ce rôle éducatif-là, ils apportent ça aussi dans les vœux. C'est vraiment une occasion de complémentarité de tous ces champs professionnels-là, et c'est vraiment, oui, c'est l'occasion.
Speaker #0
L'éducation musicale à l'écoute, partie 1, orchestre à l'école et démos Christ Brice, des orchestres d'enfants en zone rurale, un documentaire sonore de l'INSEEAC. Merci à l'ensemble des intervenants que vous avez pu entendre dans ce podcast, aux élèves du collège de jeunes guillemets de plus de 40 âges, aux élèves du projet démos Christ Brice, merci à Gérard Philippe, Serge Prokofiev, Pierre et Leloup. Merci à la Fédérale de l'Histoire, à Propos recueillis par Raphaël Roth et Lisa Lacombe et réalisations par Yannick Hervé et Alexandre Manzanares sur une musique originale du groupe Malo. Les kits de l'éducation artistique et culturelle sont pensés pour mettre en œuvre la charte pour l'éducation artistique et culturelle, et notamment son article 10 qui dit la chose suivante. Le développement de l'éducation artistique et culturelle doit faire l'objet de travaux de recherche et d'évaluation permettant de cerner l'impact des actions, d'en améliorer la qualité et d'encourager les démarches innovantes. Il est placé sous la direction scientifique d'Emmanuel Etis. Pour retrouver l'ensemble des éléments qui composent le kit et vous-même y contribuer si vous le souhaitez, Rendez-vous sur le site internet de l'établi de l'EAC Si vous avez aimé ce podcast,
Speaker #2
faites-le nous savoir avec un pouce bleu et n'hésitez pas à vous abonner pour être informé de nos prochaines diffusions Merci de votre écoute Transformer une expérience en émotion L'INSEAC du CNAM

Chapters

L'Inséac du Cnam
0sec
Introduction par Raphaël Roth, maître de conférence à l'Inséac
11sec
Musiciens ou novices, accompagner les enfants
1min
La musique comme vecteur d'épanouissement
10min
DEMOS, faciliter l'accès à l'éducation musicale
17min
Un cursus qui intègre musique, danse et chant
24min
Conclusion et crédits
30min

About L'établi de l'EAC

Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

About L'établi de l'EAC

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L'Inséac du Cnam

0sec

Introduction par Raphaël Roth, maître de conférence à l'Inséac

11sec

Musiciens ou novices, accompagner les enfants

1min

La musique comme vecteur d'épanouissement

10min

DEMOS, faciliter l'accès à l'éducation musicale

17min

Un cursus qui intègre musique, danse et chant

24min

Conclusion et crédits

30min

Transcription

Speaker #0
Bienvenue dans ce podcast établi par l'équipe de l'INSEAC, l'Institut National Supérieur de l'Éducation Artistique et Culturelle. L'INSEAC du CNAM
Speaker #1
L'éducation musicale à l'écoute, partie 1, orchestre à l'école et Demos Christbrace. Les orchestres d'enfants en zone rurale. Je suis Raphaël Roth, je suis maître de conférence en sciences de l'information et de la communication à l'INSEAC du CNAM. La musique fait partie des objets culturels les plus présents dans nos vies. Et ce, quel que soit l'âge, le genre, le milieu social, le niveau scolaire ou la nationalité des auditeurs. Pour autant, en tant qu'art non-verbal, comme le dit le sémiologue de la musique Jean Molinaud, la musique est une forme symbolique dont la maîtrise du code est inégalement partagée. Certains ont une formation musicale, certains ont grandi avec des disques à la maison, certains ont des parents musiciens, certains ont accès à une médiathèque, certains habitent à proximité d'une salle de concert, d'un conservatoire, d'une école de musique. La musique n'est donc pas un langage, au même titre que la langue française par exemple. Du moins, tant que nous ne l'apprenons, ni ne la maîtrisons, comme nous maîtrisons notre langue maternelle. Ce kit donne à entendre des élèves en situation d'apprentissage de la musique dans différents contextes. Orchestre à l'école, Demos. Ils donnent aussi à entendre leurs enseignants. Le podcast que vous vous apprêtez à écouter est le premier volet d'une série de podcasts destinés à enrichir le kit Éducation musicale de l'établi de l'EAC.
Speaker #0
Il est consacré à deux orchestres d'enfants en territoire rural.
Speaker #1
Et maintenant,
Speaker #2
voici l'histoire. Un beau matin, le petit Pierre ouvrit la porte du jardin et s'en alla dans les grands prés.
Speaker #3
Je ne sais pas lire les partitions parce que je n'ai jamais fait de solfège, mais du coup, il y en a avec les notes dessus.
Speaker #4
En lisant les partitions, les professeurs indiquent parfois des repères, des positions de pistons, etc. Et puis, après, en fonction des partitions, il peut y avoir une explication de la partition, mais on est davantage sur la pratique que sur l'apprentissage.
Speaker #0
Marc Regnault, conseiller d'AC, musique et chant choral à la DAC Bretagne et professeur de musique au collège Eugène Guilovic de Ploeg-Lhermitage.
Speaker #4
Le dispositif orchestre à l'école, c'est l'idée de mettre en place des pratiques musicales collectives dans les établissements scolaires pour enrichir le parcours d'éducation artistique et culturelle des élèves. C'est toujours un partenariat avec des écoles de musique pour l'orchestre ici. Notre partenariat, c'est un partenariat avec l'agglomération de Saint-Marieux et avec le conservatoire de Saint-Marieux, puisque les intervenants qui interviennent sont salariés du conservateur de Saint-Marieux. L'idée dans le déroulement de l'orchestre, c'est d'avoir à la fois du temps de travail par pupitre pour les élèves, donc les saxophones ensemble, les trompettes ensemble, etc. Et puis surtout, des temps de restitution collective. Le fameux touti. On essaie d'articuler un petit peu les deux. Pour les élèves, ça représente un volume horaire de deux heures par semaine. Sachant que sur ces deux heures, on n'a qu'une heure et demie d'intervention des partenaires extérieurs. Comme vous avez pu le voir ce matin, on a d'abord une petite demi-heure d'échange avec les élèves. On fait le point sur la vie de l'orchestre, sur les prochaines échéances, ce qui va se passer, etc. Et puis ensuite, le temps de pratique. Les élèves passent. Trois quarts d'heure en atelier et trois quarts d'heure en tout-outil.
Speaker #5
On ne peut pas se permettre d'avoir vraiment un gros accès sur la technique personnelle. C'est une affaire d'ensemble et d'écoute. C'est pour ça que ça met cette ambiance. dans les classes.
Speaker #0
Piups, professeur de trombone et tula.
Speaker #5
C'est être tous ensemble, écouter ce qu'on fait, écouter ce que font les autres. En école de musique, il y a ta technique personnelle, il y a ton cours, tu es tout seul, et tu dois en plus apprendre le reste quand tu fais de l'ensemble. Mais là, c'est que de l'ensemble directement, donc c'est forcément ça.
Speaker #3
Est-ce que c'est différent pour vous d'intervenir dans ce cadre-là, d'orchestre à l'école, que dans l'école de musique, quand vous avez des groupes ? Qu'est-ce qui est différent ?
Speaker #0
Nathalie Legalovitch, professeure de trompette.
Speaker #6
Alors, la différence aussi, c'est qu'à l'école de musique, un enfant qui vient faire de la trompette,
Speaker #3
on l'a en cours individuel.
Speaker #6
Là on les reçoit vraiment tous en collectif avec pour la plupart moi je sais de cette année dans le groupe des débutants. Donc c'est à la fois une attention au groupe et une attention à chacun parce que quand on démarre un instrument avant, c'est un rapport personnel aussi à l'instrument qui s'établit donc oui c'est pour moi un autre état d'esprit.
Speaker #0
Vous êtes en quelle classe ?
Speaker #4
Levez la main les sixièmes. Levez la main les cinquièmes. Levez la main les quatrièmes. Et les troisièmes. Les élèves, ils ont aussi...
Speaker #0
Marc Regnault.
Speaker #4
Ils ont six gros chapitres quant au choix du répertoire. Euh... D'abord, par exemple, on a répété ce matin un morceau de Santillano. Ça, c'est une demande des élèves, c'est une proposition des élèves. Parfois, c'est un peu compliqué parce qu'ils ne mesurent pas forcément la difficulté du morceau par rapport à leur niveau. Et puis, par ailleurs, on a aussi un stock de morceaux. Et en général, quand on va prévoir des concerts, on va piocher un, deux ou trois morceaux dans ce stock-là. Et là, c'est les élèves qui proposent le morceau qu'ils ont envie de jouer. Et puis, quand parfois des élèves se sentent moins motivés, en général, ils viennent me voir, puis on en discute ensemble, et puis on essaie de comprendre pourquoi. Parfois, il y a des élèves pour qui c'est compliqué de faire de l'instrument à la maison, par exemple. J'avais la situation, une année passée, d'une élève dont la maman était assistante maternelle, donc faire l'instrument à la maison, c'était compliqué, avec les enfants qui étaient à garder. Et parfois, il faut redire à l'élève qu'il n'y a pas d'exigence là-dessus, il n'y a pas de pression là-dessus. C'est un des rares dispositifs sur lesquels la question de la note ne se pose pas, parce qu'il n'y a pas de note. Ça ne veut pas dire qu'ils n'y travaillent pas de compétences. Donc il n'y a pas d'exigence, il n'y a pas de pression. Je peux largement me permettre d'adapter aux jeunes. que j'ai en face de moi,
Speaker #2
en fonction de ce que je perçois,
Speaker #4
de ce qu'ils sont capables de faire, et du coup ça valorise tout le monde.
Speaker #0
Gervan Mével, professeur de percussion.
Speaker #4
Ça crée vraiment une dimension de groupe, il n'y a pas de niveau équilibré, il n'y a rien, et j'en tiens compte. Donc ça, je trouve ça très bien. On n'est pas du tout une... On n'est pas une école de musique, ça reste un collège ou une école, parce qu'on va retrouver les mêmes questionnements dans les orchestres, dans les écoles primaires. Ici, la pratique musicale, elle est un outil pour travailler d'autres compétences, être ensemble, trouver sa place dans un projet collectif, etc.
Speaker #5
J'ai deux gamins que j'ai en ensemble de cuivre, un de eux, qui est un de mes anciens élèves en trombone. Je l'ai poussé plutôt vers le plus bas, c'est ça, à te faire un complément. Tu as déjà la technique de souffle, tu n'auras plus que les pistons à prendre. Et Malou qui est trompettiste, qui lui a la technique des pistons, je lui dis Mets-toi où tu vas, ça va te faire respirer autrement, moins de pression, plus de volume Et c'est aussi bien. Sinon après, je pense que les enfants, ça ne va pas amener la même ambiance. S'il y en a un qui arrive et qui maîtrise déjà son instrument vis-à-vis du puc-nitre, il ne va finir pas faire son cacou et voilà. Ce n'est pas le but du jeu.
Speaker #2
Je vais aller enlever le sac,
Speaker #4
ça enleve le sac. Bon, on va se débrouiller.
Speaker #3
Parfois, quand je suis énervée ou on est triste, quand je joue de la musique, par exemple, quand je souffre très fort dans ma trompette, quand je suis énervée, ça libère. Et puis, l'instrument, c'est vraiment un art qui nous révèle un talent qu'on ne savait pas. Par exemple, au début de l'année, je ne savais pas que j'aimais la trompette. Et aussi c'est bien parce qu'on est tous ensemble, on a tous vécu des épreuves et la musique ça libère toujours des émotions sans parler, on n'a pas besoin de parler, on doit juste jouer, ça peut libérer des émotions, c'est pour ça qu'on dit qu'il y a des partitions qui sont tristes, certaines qui sont joyeuses, d'autres ça exprime toujours des émotions. On peut continuer la musique ? Oui. Vous avez choisi vos instruments ? Oui. Vous êtes content de vos choix ? Oui. Il y en a qui voudraient changer ? Oui.
Speaker #6
Vous dites tout le temps oui ?
Speaker #3
Oui.
Speaker #4
Moi je trouve que le dispositif fonctionne très bien et
Speaker #0
Marc Réunion,
Speaker #4
c'est vraiment un dispositif très efficace. pour l'amélioration du climat scolaire. On voit bien les élèves qui sont à l'orchestre, ce sont des élèves qui sont moins impliqués dans des histoires sur les temps de vie scolaire, c'est des élèves qui sont moins absents que les autres. Ça se voit particulièrement, on a eu au mois de février un épisode de neige, donc les cars n'ont pas circulé, mais... Le jeudi matin, quasiment tous les élèves de l'orchestre étaient là. C'est-à-dire que... Et certains, d'ailleurs, ne sont venus que pour l'orchestre. C'est-à-dire que c'est vraiment un truc important pour eux. Donc là-dessus, c'est vraiment un dispositif efficace. La question du plaisir d'apprendre, c'est pas un tabou du tout dans ce genre de dispositif, c'est même au cœur du dispositif. Il faut que les élèves y prennent du plaisir et il faut qu'ils puissent aussi s'approprier le dispositif. Aujourd'hui, c'est vraiment devenu leur orchestre. C'est pour ça qu'on a insisté aussi pour que les élèves élisent leur délégué. qui les représente au conseil de la vie collégienne. Les élèves ont eux-mêmes fait des propositions. Par exemple, on va bientôt enregistrer les nouvelles sonneries du collège qui seront enregistrées par l'orchestre. Ça, c'est les idées des élèves. C'est aussi leur orchestre. Je vais m'effacer. Vous allez essayer de filmer la batterie, y compris sur l'auto de batterie, on va voir si vous êtes capables de filmer. Alors qu'au départ, on était sur de l'achat d'instruments, vraiment d'entrée de gamme, à cause de la question du coût, avec l'orchestre à l'école, l'idée c'est quand même d'avoir au moins du milieu de gamme. Donc certes, l'association orchestre à l'école finance 50%, mais sur globalement un budget qui est plus élevé quand même. Mais mine de rien, c'est quand même un investissement très lourd pour l'orchestre. Pour l'établissement, c'est un investissement aussi pour les partenaires, parce que c'est aussi des heures d'intervention qui sont mises à disposition. Mais pour cette année, il faut imaginer que sur le compte de l'établissement, il y a eu un peu plus de 10 000 euros d'investis. Il y a deux heures sur mon service, il y a deux heures d'heures supplémentaires sur le service du collègue de mathématiques qui accompagne mon projet. Ça a un effort conséquent, mais qui est quand même d'autant plus accepté que l'ensemble des collègues voient quand même le résultat de ce travail.
Speaker #0
2,
Speaker #4
1, 2, 3, 4. Dans le domaine des pratiques instrumentales collectives, on a deux dispositifs. Il y a Orchestre à l'école et il y a Demos. Demos, c'est la philharmonie qui cible un conservatoire qui va travailler avec les écoles de son secteur. Ce n'est pas l'association Orchestre à l'école, qui est le partenaire financier, qui décide de... des lieux où elle veut s'implanter. C'est je suis prof dans mon école ou dans mon collège, je veux monter un orchestre à l'école, je contacte l'école de musique du secteur pour voir s'il y a la possibilité d'un partenariat, et ensuite soit je regarde mes financements propres, soit j'avertis la tutelle, donc la commune pour une école, ou le département pour un collège. Je veux contacter Ensuite, l'association en classe à l'école. Et voilà, les choses se montent comme ça. On est vraiment sur quelque chose qui part d'une envie du terrain. Ils sont nombreux.
Speaker #2
Ils sont nombreux.
Speaker #1
tous types d'instruments, nous aurons évidemment toutes les cordes grottées, nous aurons les cordes pincées avec la classe de harpe assez exceptionnelle dans un orchestre d'Emos, toute une classe de harpe qui est en plein centre de l'orchestre, les cuivres avec les tubas, les trompettes et puis on aura les flûtes, les clarinettes et toute une ribambelle de percussions aussi assez exceptionnelle dans un orchestre d'Emos. Alors tout ce projet d'Emos fonctionne évidemment pour 45 orchestres avec des soutiens nombreux. Nous avons d'abord les ministères du point de vue de l'État, le ministère de la Culture, le ministère des Cohésions, de cohésion des territoires et des relations avec les collectivités territoriales, le ministère de l'Éducation nationale, le ministère de la Jeunesse et des Sports et le ministère de l'Outre-mer. Plus de 300 collectivités territoriales soutiennent ardemment le projet Demos, c'est-à-dire les agglomérations, les villes, les communes, les départements et les régions. évidemment la Caisse Nationale d'Allocations Familiales, et puis un parrain en or depuis de nombreuses années, c'est Lélian Thuram avec sa fondation qui s'appelle Éducation contre le Racisme, et une marraine, une pianiste, Katia Bunatijvili, même si le piano est très peu représenté dans les orchestres d'Emos. Des fois on a des pianos dans les orchestres symphoniques, mais pas là. En tout cas ce projet-là, il tient de manière nationale, piloté par la Philharmonie de Paris, mais chaque orchestre ensuite est piloté par d'autres acteurs sur le territoire. Et c'est le cas de cet orchestre, Cres Braes, qui est piloté en particulier par l'École de Musique, Danse et Théâtre du Cres Braes, de la communauté de commune Cres Braes, avec laquelle justement ils ont pu réussir à fédérer la problématique d'un orchestre comme celui-ci. Moi j'ai commencé ici en 2010 en tant que prof de trompette dans un orchestre. J'avais le métro, j'avais donné mes cours. tranquillou, on va le dire comme ça. Quand vous êtes autour de Rostrenin, 20 000 habitants, plusieurs communautés de communes, 23 communes, et vous devez aller faire du trajet, beaucoup de trajet, pour aller donner un cours par-ci, par-là, je pense qu'on peut dire énormément. Les professeurs qui ont soutenu et qui tiennent depuis trois ans, justement, ce tissage entre les communes et les enfants, et les partenaires et institutions, merci pour eux.
Speaker #0
France Grand-Dubé, chef de projet Demos Christbrise.
Speaker #2
Alors Demos, c'est un acronyme, Demos est dispositif d'éducation musicale et orchestrale à vocation sociale. Alors il y a l'OV qui est chanté, mais donc c'est bien un dispositif de musique en orchestre et à vocation sociale. La première idée de Demos, en fait, elle s'est construite autour de ce qui s'appelait le El Sistema au Venezuela. Il y a d'autres expériences comme Big Noise en Écosse, il y a eu une expérience aussi au Brésil, il y en a dans différents pays. Et donc la Philharmonie de Paris, c'était au... Au tournant des années 2009-2010, à construire une initiative, c'était aussi dans la volonté d'installer aussi cette philharmonie dans un arrondissement populaire, donc de rendre accessible la musique à des publics qui n'y ont pas accès, et de rentrer un peu en rupture avec cette reproduction sociale habituelle d'une musique savante réservée aux élites. L'idée c'était de contrer ça un petit peu, et donc d'y aller par un dispositif de formation. qui pour moi est dans le champ d'éducation artistique et culturelle évidemment, et donc de s'adresser dans des quartiers populaires, c'est pour ça que la vocation sociale est importante, et dans des MOSS, y compris ici, on a peut-être moins cette question sociale, mais plus d'éloignement. L'idée c'était de faire en sorte que ce dispositif ne bénéficie pas à des enfants déjà musiciens, mais qu'on aille au contraire le proposer à des enfants qui n'avaient pas la musique dans leur pratique. Il n'y a pas de logique à exclure un enfant motivé non plus, et certains étaient évidemment très motivés pour intégrer ce dispositif-là, mais la règle générale c'est des enfants n'ayant pas eu accès jusque-là à la pratique musicale.
Speaker #6
Je ne sais plus si on l'a dit, mais c'est complètement gratuit pour la famille.
Speaker #0
Coordinatrice des MOSS Christbrice
Speaker #6
Les cours, les ateliers vont être gratuits. Le prêt d'instrument est gratuit aussi. C'est la Philharmonie qui a un parc instrumental qui met à disposition des instruments pour les enfants. Et là, la CCKB a suivi ce principe-là jusqu'au bout en mettant sur la gratuité pour le TRAD, qui est un système de transport rural à la demande qui existe déjà sur le territoire, qui est déjà très peu cher. Mais là, pour des MOSS, c'est gratuit. C'est-à-dire qu'il y a un taxi qui fait du porte-à-porte. qui vient chercher les enfants chez eux et qui les ramène chez eux. Et c'est gratuit. Vous venez aux ateliers, au rassemblement, à l'orchestre. Voilà, on applique ce principe-là jusqu'au bout, sur tous les aspects du projet.
Speaker #2
Donc ici, il y a une volonté politique des élus de la communauté de communes du Kreisbreis, et une mise en œuvre par l'association École de musique, danse et théâtre du Kreisbreis, qui est au titre d'enseignement artistique de l'intercommunalité. Et donc un partenaire entre ces deux structures-là. Et la Philharmonie ne vient pas juste donner une enveloppe financière au territoire de se débrouiller, c'est vraiment un échange régulier, tout au long des trois ans. C'est-à-dire qu'il y a vraiment non seulement une... Une synergie entre les différents orchestres, par exemple Marine, coordinatrice, échange souvent avec ses collègues, ses homologues coordinataires sur d'autres disques Sysdemos. On tire bénéfice des expériences des autres orchestres. Et ça, le lien de la Philharmonie le fait, y compris sur la fin du projet où tous les orchestres se réunissent, aussi à la Philharmonie de Paris, à la fin en général des trois ans de pratique. Alors ici, particularité de Demos Christ's Brass sur ce qui est le répertoire du centre Bretagne, du Christ's Brass, puisqu'on est en centre Bretagne, on a décidé de s'appuyer sur l'histoire du territoire, mais tous les orchestres Demos ont un lien fort à l'oralité en fait, tout simplement parce que dans l'enseignement artistique en fait... L'oralité devrait avoir une place plus importante. Et c'est vrai que depuis la Révolution française et la création du Conservatoire de Paris, on est beaucoup parti sur le solfège, des choses très didactiques, très basées sur l'écrit. L'écrit a pris une place peut-être prédominante, un peu trop importante. Mais la musique, avant tout, ça passe par les oreilles. parce qu'on entend par l'expression, et l'écrit est un outil formidable, mais ça doit rester un outil, et c'est vrai qu'on a peut-être dans l'enseignement musical en France, à travers les deux siècles passés, beaucoup plus basé sur l'écrit, qui était vraiment, à une époque, on rentrait au conservatoire, qu'après trois ans de formation musicale, de solfège, on pouvait commencer l'instrument seulement trois ans après, là on commence d'emblée, et un peu comme un enfant va apprendre à parler avant d'apprendre à écrire, on est parti sur le même principe, donc là on chante d'abord, on fait de la danse, on a son... se positionne bien dans son corps, on apprend à communiquer avec les autres par le chant, et puis après, via l'instrument, très rapidement, quand même, au bout de deux mois. Et donc, la transmission, elle est d'abord orale. Et la transmission orale, évidemment, on trouve de magnifiques exemples dans les cultures traditionnelles, qu'elles soient de Bretagne ou d'ailleurs. Donc, dans beaucoup de démos, il y a, notamment sur la deuxième année, quand on passe de l'oral vers l'écrit, parce que l'écrit va devenir un outil de démos aussi, mais pas tout de suite. Après, il y a... C'est un exemple justement pour illustrer tout ça et pour les enfants, pour prendre conscience aussi d'un répertoire de tradition orale. Donc quand on est en quartier politique de la ville, on se base sur une tradition, soit qui est présente dans une communauté localement, par exemple sur des musiques orientales, sur des musiques indonésiennes et autres. Mais les musiques savantes restent quand même aussi un intérêt, puisque Demos, c'est l'objet de l'orchestre. Donc avec les danses anciennes, souvent en première année, on aborde aussi du répertoire. ça peut être de Mozart, de l'époque classique, Mozart, Haydn, Beethoven, l'époque romantique, là cette année, l'orchestre d'un travail d'émissive de Gabriel Fauré, donc on est début 20e, musique française du début 20e, donc ça fait partie de la culture, et puis la création contemporaine, ça aussi c'est un axe important qu'on développe souvent en troisième année de Demos, et d'avoir un équilibre, voilà, musique savante, classique, contemporaine, et puis musique de tradition orale, et on va chercher par moments à retrouver l'oralité aussi dans les musiques savantes. Si on va sur la musique baroque ou la musique de la Renaissance, on peut très facilement se passer de l'écrit à la musique baroque. Il y avait beaucoup d'improvisation dans ces musiques-là. C'était une époque, justement, avant que l'écrit prenne une place vraiment prédominante, où le compositeur n'écrivait pas tout. L'interprète avait une part très importante. Le chant, effectivement, il a une importance capitale dans Demos, mais je dirais qu'il doit être capital dans toute formation de musicien. C'est un outil indispensable, et même le ministère de la Culture, dans ses dernières versions du schéma national d'orientation pédagogique, a replacé l'importance du chant, notamment dans l'apprentissage instrumental, et le chant doit être un outil de tout musicien, quoi qu'il arrive. C'est une expression directe qui ne passe pas par la technique instrumentale, et qui permet justement de faire le lien avec ce qu'on entend.
Speaker #4
Avec toute l'expression,
Speaker #2
toute la mémorisation, tout ça passe par le chant, c'est très très lié. Donc finalement ce qu'on fait dans des mots, c'est ce qu'on devrait faire aussi dans l'apprentissage musical d'une certaine manière. C'est-à-dire qu'un professeur d'instrument aujourd'hui... Peut-être qu'il passe sur environ 30 minutes de musique, moins 5 à 10 minutes à chanter avec son élève, parce que c'est un besoin aussi, au-delà d'une technique instrumentale, de se réapproprier peut-être directement pour ensuite replacer la difficulté dans un contexte de maîtrise d'un instrument de musique. Donc là, dans des mots, on le fait parce que ça fait partie d'une pédagogie collective, qu'on se sert aussi des compétences ajoutées des chefs de chœur, des danseurs pour la danse, mais des chefs de chœur là pour les...
Speaker #6
La danse va avoir la même importance.
Speaker #0
Marine Chédoté.
Speaker #6
une articulation de tout ça en même temps. Je pense pas qu'il y ait quelque chose de préalable à l'instrument parce que ça va tout le temps ensemble. Après voilà, je vois plus de choses, mais j'enseigne pas la musique, c'est plutôt de ce que je ressens du projet, de ce que je vois du travail des chanteuses et danseuses avec des enfants. C'est quand même l'idée que tout ça s'articule en tant qu'élose qu'on va jouer à l'instrument. On sait le chanter, on sait le danser, on sait... Tout passe par là, on l'intègre vraiment de cette manière-là. Et ça permet, par exemple, si on a une difficulté à l'instrument, des choses d'interprétation aussi. Là, le phrasé, tu te rends compte que tu coupes un peu ta phrase au milieu. Ta phrase, elle fait tout ça. On la chante ensemble. À quel moment est-ce que tu respires ? La recherche, ça va être pareil. C'est vraiment un outil. pour permettre de jouer et de comprendre aussi la musique. C'est vrai que c'est un autre outil, une autre façon, un autre instrument. Pour moi c'est vraiment ça aussi. Et donc pareil avec la danse, ça va aider. On a fait beaucoup de percussions corporelles ces derniers temps, ça pourrait aussi aider rythmiquement. Mais c'est vrai qu'on a beaucoup fait en première année des choses très gestuelles. Il y avait des petites chorégraphies qui ont vraiment aidé à intégrer déjà l'esthétique du baroque. Voilà les mouvements étaient très bien. C'est une forme d'interprétation des airs qu'on jouait. Et puis, même pour ressentir aussi les différentes mesures, là c'est du temps, c'est du trois temps. Là, souvenez-vous, on ne sent pas du tout le trois temps dans ce que vous jouez, attendez, hop, on pose l'instrument, on le reprend, on danse. Là c'est bon, on l'a réintégré, maintenant on reprend l'instrument, et puis là ça repart,
Speaker #7
c'est droit.
Speaker #2
La FIERM a trouvé intéressant la complémentarité Brest Métropole, qui est un territoire très urbain, qui a une collectivité hyper rurale, et d'ailleurs qui était un peu remonte dans l'idée d'un contrat de réciprocité urbain-rurale qui a été mis en œuvre dans l'année 2015, je crois 2015-2016. Il y avait des rapports entre Brest Métropole et Pays-Centraise-Bretagne, ici on fait partie du Pays-Centraise-Bretagne. Ce projet-là rentrait assez bien en écho avec ce qui avait été fait sur ce territoire sur les temps d'activité périscolaire, qui était lié à la réforme de l'organisation scolaire qui est passée maintenant. Et à l'époque entre 2014 et 2017 à peu près, il y avait une organisation communale qui avait été coordonnée par la communauté de communes du Christ-Bras, et il y avait eu un réseau d'animateurs intervenant dans ce qu'on appelle ici des TAP, des Tents d'Activité Périscolaire, assez importants et dans différentes thématiques, que ce soit les sciences, le sport, la culture. Il y avait tout un tas de thématiques et toutes les écoles du territoire avaient globalement très bien organisé, avec des compétences nouvelles. La magie aussi. La magie aussi, voilà. Il y avait des liens pédagogiques, ce qui était pertinent. C'est vrai que l'arrêt de cette réforme scolaire avait posé la question aux élus. Et maintenant, c'est vrai qu'on avait développé, ils avaient le sentiment d'avoir développé une spécificité. D'ailleurs, je crois qu'ils aient démontré un exemple par certains territoires plus urbains. Et comment garder ce bénéfice là ? Du coup Demos est venu presque à ce moment là. Et alors même si on est sur un objet ciblé sur la musique, on dépasse le cadre de la musique. de la danse, de la musique pas qu'avec l'instrument mais aussi par le chant, et puis on est sur un projet...
Speaker #6
C'est éducatif.
Speaker #2
Un projet, voilà, dimension éducative, sociale aussi.
Speaker #6
Puis ce que je vois aussi c'est l'opportunité de travailler avec des nouvelles compétences professionnelles, on n'a pas l'habitude de travailler dans le milieu artistique, tout à l'heure je parlais du lien avec les repérents sociaux et les musiciens, mais c'est vrai que du coup les pratiques... de tous ces corps de métier viennent se compléter. Et en fait, on s'inspire beaucoup de ce qui se passe, par exemple, dans les écoles. Un truc qui est arrivé il n'y a pas très longtemps, là, on est sur un groupe de travail en ce moment pour préparer la suite de Demos, le parcours d'orchestre avancé. Et on s'est dit, mais en fait, et si on s'inspirait un peu de ce qu'ils font, les instits à l'école, parce que dans le genre fiches outils, fiches méthodologies, ils sont hyper calés, hyper forts là-dessus. Ben voilà, est-ce qu'on ne va pas s'inspirer de ça pour faire des fiches de prépa de cours, pour que ce soit transposable aux autres ? Surtout quand on travaille en équipe, il faut que les choses puissent être transmises. Donc voilà, juste des choses comme ça. Chaque métier a un peu ses petites fiches outils. C'est son fonctionnement qui peut être transposable et donc qui se nourrit aussi. Et je pense aussi dans les centres de loisirs, les animateurs qui ont l'habitude de gérer des groupes. d'une manière hyper bien, d'assurer la bienveillance entre les enfants, qui ont aussi ce rôle éducatif-là, ils apportent ça aussi dans les vœux. C'est vraiment une occasion de complémentarité de tous ces champs professionnels-là, et c'est vraiment, oui, c'est l'occasion.
Speaker #0
L'éducation musicale à l'écoute, partie 1, orchestre à l'école et démos Christ Brice, des orchestres d'enfants en zone rurale, un documentaire sonore de l'INSEEAC. Merci à l'ensemble des intervenants que vous avez pu entendre dans ce podcast, aux élèves du collège de jeunes guillemets de plus de 40 âges, aux élèves du projet démos Christ Brice, merci à Gérard Philippe, Serge Prokofiev, Pierre et Leloup. Merci à la Fédérale de l'Histoire, à Propos recueillis par Raphaël Roth et Lisa Lacombe et réalisations par Yannick Hervé et Alexandre Manzanares sur une musique originale du groupe Malo. Les kits de l'éducation artistique et culturelle sont pensés pour mettre en œuvre la charte pour l'éducation artistique et culturelle, et notamment son article 10 qui dit la chose suivante. Le développement de l'éducation artistique et culturelle doit faire l'objet de travaux de recherche et d'évaluation permettant de cerner l'impact des actions, d'en améliorer la qualité et d'encourager les démarches innovantes. Il est placé sous la direction scientifique d'Emmanuel Etis. Pour retrouver l'ensemble des éléments qui composent le kit et vous-même y contribuer si vous le souhaitez, Rendez-vous sur le site internet de l'établi de l'EAC Si vous avez aimé ce podcast,
Speaker #2
faites-le nous savoir avec un pouce bleu et n'hésitez pas à vous abonner pour être informé de nos prochaines diffusions Merci de votre écoute Transformer une expérience en émotion L'INSEAC du CNAM

Chapters

L'Inséac du Cnam

0sec

Introduction par Raphaël Roth, maître de conférence à l'Inséac

11sec

Musiciens ou novices, accompagner les enfants

1min

La musique comme vecteur d'épanouissement

10min

DEMOS, faciliter l'accès à l'éducation musicale

17min

Un cursus qui intègre musique, danse et chant

24min

Conclusion et crédits

30min